De Edward Albee es muy popular su obra Quién teme a Virginia Woolf, donde un matrimonio saca todos sus trapos sucios ante otra pareja. ¿Hay algo de ello en Un delicado equilibrio?
Alicia Borrachero: Hay algo de esos personajes desgarrados completamente, que han tapado tanto y no son realmente ellos. A lo largo de la obra, y de lo que beben, todo acaba por aflorar. Como actriz me fascina ser capaz de encarnar el dolor con ese nivel de crueldad y de ironía. Me parece fabuloso. Es horrible pero muy divertido

¿El alcohol les suelta lengua?Manuela Velasco: El alcohol es fundamental en la vida de todos, desde luego, pero no es un recurso dramático para facilitar la explosión, sino un sustituto frente a lo que no queremos afrontar: el terror, la tristeza o el dolor. Vamos cogiendo sustitutos para taparlo. Unos usan el alcohol; otros se vuelven maniáticos del orden; otros ‘workalcohólicos’… todo para no enfrentarse al abismo, al vacío existencial. Se dice de mi personaje que es la alcohólica, pero puede que Claire no sea la que más bebe. Beben todos.
A: El alcohol es como un punto de encuentro alrededor del cual se relacionan estos personajes. Lo llaman el aperitivo. Me recuerda a la serie Mad Men. Tiene que ver con una época y una clase social, la del Martini y las bebidas espirituosas.
M: En torno al matrimonio de Ben y Agnes estamos todos los demás. La manera de estar de Ben es huir del mundo preparando bebidas. Nos parecía fundamental que existiera ese universo del bar, con las botellas y los vasos, porque ese personaje se escapa por ahí, no solo bebiendo sino dando de beber.

Los personajes se dicen auténticas barbaridades pero con bastante sentido del humor.A: ¡Por eso hace tanta gracia! (ríen).
M: Siempre recuerdo el título de un disco que se llamaba Disfrutar con las desgracias ajenas (ríe). Realmente produce placer ver a una familia atreviéndose a decir ciertas cosas, entre hermanas, en la pareja… Somos muy buenos, nos queremos mucho, pero todos tenemos unas capas internas en las que hemos pensado cosas horribles de nuestros seres queridos. Todos. 

¿Qué les une y qué les separa, a las hermanas que interpretan?A: Son la dinamita y la pólvora. Somos opuestas. Yo soy Agnes, la hermana mayor, la que sostiene todo este montaje. En la casa vivimos mi marido y yo; mi hermana menor, Claire, en el estado en el que suele presentarse; y luego tenemos una hija, que cada cierto tiempo se divorcia y vuelve a casarse. Más tarde vienen otros a la casa. Pero la relación entre ellas dos me recuerda a Las Criadas -obra de Jean Genet-, que son dos pero podrían ser la misma persona con dos caras, una oculta y otra visible. Agnes es perfeccionista. A la gente le resulta algo sargento, pesada, pero si no fuera por lo que ella hace, esto se muere.
M: ¡Es una obra tan rica y apasionante, que en las entrevistas seguimos aprendiendo! Uno de los rasgos de mi personaje, Claire, es que no tiene nada que perder. Es una mujer de más de 40, sin matrimonio ni hijos ni ocupación, que se dedica fundamentalmente a beber y a desequilibrar a su hermana. Se han escrito muchas tesis sobre esta obra y algunas ven a Claire como la Agnes no reprimida.

Agnes enumera los cometidos de las mujeres: dar a luz, llevar la casa, que haya comida y ropa limpia, planificar..."¡La de riendas que manejamos! Es como llevar una manada de veinte caballos… pero nunca decidimos la ruta", resume.
A: Es así: perdemos a los hijos, perdemos la química corporal, según La Biblia ya no somos útiles… ¡pero madre mía la de riendas que manejamos! En esta familia, los hombres tienen un rol y las mujeres tienen otro, cosa que en la obra empieza a cambiar. Parece que son los hombres los que deciden, sin embargo, muchas veces ellos se quejan de que son ellas las que, por detrás, han ido empujando para que vayan en un sentido. El que decide eres tú, dice ella, pero luego yo lo dirijo todo.

¿Qué puede llevar a una pareja a huir de su casa y pedir refugio a unos amigos, como ocurre en la obra?M: La obra no define qué miedo es y cada uno va a encontrar ahí el suyo propio. Uno que sobrevuela es la soledad, la terrible soledad. De repente puedes mirar un día a tu pareja, con la que has convivido veinte o treinta años, y decirle ¿quién eres?, ¿nos queremos?, ¿realmente nos conocemos? También es verdad que está escrita en un momento determinado y ahora podríamos poner mil cosas: un virus, Putin, Trump….
A: También hay algo que tiene que ver con la época, y es el asunto de la guerra nuclear. Había mucho miedo. Era una sociedad muy asustada.

En cualquier caso, cuando esa pareja de amigos se plantan en la casa, ¿ese delicado equilibrio no se rompe definitivamente?A: Yo creo que el equilibrio ya estaba algo roto, porque si no hay grietas no se puede colar nada. Hay un anhelo de que la situación cambie, pero en el fondo saben que no va a cambiar. Están en una rueda de hámster, y cuando aparecen ellos con este problema que, como bien dice Manuela, es una de las genialidades de la obra por no estar definido, termina por desequilibrarlos. Al ver el miedo del otro, estás viendo tu propio miedo. Un terror se instala y se va contagiando en esa familia, y toda esa estructura que han sostenido durante años se empieza a derrumbar. La obra le habla a la inteligencia del público, porque Albee siempre escribió sin tener que darle al espectador todo masticado y explicado.

¿Se han encontrado en una situación en la que alguien muy próximo invada su espacio vital?M: Esta función me ha hecho pensar en los límites de la amistad y yo me reconozco mucho como personaje de Albee (ríe). No tengo este don de la hospitalidad de los griegos, que te abre las puertas, te da de comer y te acoge sin preguntar. Uno de los personajes termina diciendo que es mejor no preguntar si me quieres de verdad, porque te tienes que enfrentar a la respuesta. No me abriría así. Me encantaría ser de otra manera, pero no lo soy. Yo aprovecho las obras para asomarme a mis abismos, y me he reconocido bastante en estos personajes. 
A: Si esto nos hubiera pasado a cualquiera de nosotros en nuestra vida real, nadie se puede negar a acogerlos. No dan opción. Para el público puede resultar bastante curioso, no quiero decir divertido porque, aunque tiene mucho humor, un humor negro, muy ácido e irónico, no es una comedia. Hay una estructura como de alta comedia, de gente elegante con el martini en la mano, pero teniendo por debajo todo lo que plantea una obra premiada con el Pulitzer. Con solo sentarse y hacer una lectura del texto ya llega. Cuando lo estábamos traduciendo -el texto está traducido por Alicia Borrachero y Ben Temple- e íbamos depurándolo, ya lo pensé.

Parece que, aunque nos llevemos a matar, siempre acabamos unidos a la familia.A: Es como si estuviera escrito en algún sitio que tienes un compromiso, sí o sí, solo porque te une la sangre. Perdona porque voy a hablar de un caso personal: he estado trabajando este año con familias de acogimiento especializado. A la gente le resulta fácil comprender que sostengas a alguien que puede ser muy tóxico, malo e incluso agresivo, siempre que sea de la familia. Sin embargo, no se entiende que acojas a un menor que necesita ayuda y no es de tu familia. ¡Son seres humanos! ¿Tengo que mantener a alguien porque nos une la sangre? ¡¿Perdón?! La obra me hace plantearme cada día ese vínculo familiar. ¿Por qué es más fuerte que el amor, entendido como amistad? ¿Por qué al final decide la sangre? No lo entiendo. Otra cosa son los hijos, que para los padres sí son un compromiso. 

Manuela, el año pasado todos sentimos, casi como si fuera de nuestra familia, la muerte de tu tía, Concha Velasco. ¿Qué primeros recuerdos guardas de ella en el teatro y en qué medida influyó en tu destino como actriz?M: Absolutamente, y fue gracias a ella. Tengo un recuerdo confuso de cuando hizo Mata Hari, y la fascinación y el misterio que me generaron. No recuerdo si realmente la vi, pero oí mucho hablar de ella. El nacimiento absoluto de mi vocación fue ir al Teatro Calderón a verla hacer ¡Mamá, quiero ser artista! Iba a todas las funciones que podía; al salir del cole y los fines de semana. Luego con Carmen, Carmen, cuando yo era un poco más mayor, tuve la oportunidad de ver la función desde dentro y desde fuera, y comprobar cómo llegaba diferente. Estaba en los camerinos con ella y los demás actores. Hubo algo en la gente de teatro, en los camerinos, en lo que se respira, en esa transformación y esa energía, que me fascinó. Ahí descubrí que lo que me gustaba del teatro era la repetición: ver la función todos los días y darme cuenta de lo diferente que era en cada ocasión. Otro de los recuerdos más potentes era entre funciones, cuando se estaban tomando el bocadillo o el café, y yo me subía al escenario sola sin que me viera nadie. Miraba al patio de butacas y me decía "algún día quiero estar aquí".

Alicia, no sé si tiene algún ancestro relacionado con el espectáculo, ¿pero cuál fue ese chispazo que le llevó al mundo de la interpretación?A: En mi familia hubo un antecedente: una tía abuela cubana, que incluso estuvo en Hollywood, y algunas cosas hizo. ¡Tiene alguna foto con Liz Taylor! Eran 14 hermanos, todos muy guapos y altos. Luego, mi abuela nos llevaba a todos mis hermanos al teatro. Vi muchas veces a Concha, en Mata Hari y ¡Mamá quiero ser artista! El primer día que fui al teatro, de niña, fue a ver Annie, y recuerdo mi fijación, no con el escenario, ¡sino con las butacas! ¡Esas butacas rojas! Me quedé con esa imagen toda la vida. Y luego, claro, yo quería ser Annie. La primera vez que hice algo fue en el cole, muy chiquitita, en un musical de La abeja Maya (ríe). A mí no me cogieron para Maya, lo cual me sentó fatal, pero me dieron el papel del gusano Max, que tenía mucho carácter, un poco como luego ha sido mi carrera. Lo que yo sentí ese día fue muy bestia, aunque solo tenía una escena. No tuvo que ver con el aplauso, ni con el éxito. No fue eso. Tuvo que ver con la comunicación; con "llegar a" y "recibir de". A mí eso me marcó, ¡y desde entonces aquí estamos!