[ESTE ARTÍCULO CONTIENE SPOILERS]
Steven Spielberg, que en 2021 cumplía 75 años, llevaba toda su carrera intentando dirigir un musical. Ya su comedia 1941 iba a serlo, pero al final se torció, y le costó encontrar un proyecto que le motivase. Hasta que se convenció de que lo mejor era actualizar un filme de culto: la West Side Story de Robert Wise y Jerome Robbins, una obra maestra que ha cumplido 60 años.
Se estrenó en EE UU el 18 de octubre de 1961, no llegó a España hasta diciembre de 1962 (primero en Barcelona) y marzo de 1963 (Madrid), y en diciembre del año pasado volvía a los cines: con unos pocos minutos más de metraje (y sin descanso para visitar el bar del cine como entonces) se estrenaba el remake dirigido por Spielberg, que ahora ya está disponible en Disney+. Tiene algunas, quizá sutiles, pero claras diferencias desde el respeto absoluto al filme original.
1. El concepto es el concepto
Spielberg ha justificado su película por una doble vía. En primer lugar, la personal o sentimental: él disfrutó del disco de la versión teatral del musical de Broadway en 1957 (su madre compró el disco en casa) y quiere rendir homenaje a la película de Wise y Robbins a través de la obra original escrita por Arthur Laurents. En ese sentido, la fotografía de Janusz Kaminski está en línea con el festival Technicolor de Daniel L. Fapp (director de fotografía, entre otras muchas, de La gran evasión y Uno, dos, tres).
En segundo lugar, y es quizá la gran diferencia de concepto con respecto al filme original, donde lo shakesperiano y el eco de Romeo y Julieta se hacen más presentes, Spielberg considera la sociedad hoy está más dividida, es mucho más individualista, y que la audiencia está hoy más preparada para afrontar una reflexión sobre el conflicto que entonces.
2. El inicio
Sesenta años después, nos quedamos sin esa gloriosa intro de rayas y colores, aquella sencilla genialidad a modo de obertura musical que mutan en el perfil de la isla de Manhattan vista desde la desembocadura del Hudson y el East. A partir de ahí, sí que ambas películas comparten vista aérea, y Spielberg no tiene problema en replicar esos planos cenitales de la ciudad que nos llevan a lo que hoy es el Upper West Side.
3. Menos basket, más solares en obras
La cancha de baloncesto ya no es el lugar de inicio, ni el balón la excusa para dar inicio al baile y al número musical del comienzo, la presentación de los Jets, que acaba poniendo el foco también en los Sharks. Spielberg prefiere comenzar por la banda latina. Le da la vuelta al foco sociológico.
La pista deportiva que es punto de reunión de aquella juventud del filme de 1961 se convierte en un solar en obras que da paso a las secuencias de lucir el palmito y pelearse por las calles de la ciudad, que esta vez luce mucho más al haberse rodado menos escenas en estudio que en el filme original. Los dos largometrajes terminan con la llegada de la policía para parar el conflicto: una en la cancha de baloncesto y la otra en un solar entre escombros.
4. La gentrificación del West Side
En 1962, apenas un año después del estreno de West Side Story, se inauguró, justo en la zona del barrio puertorriqueño de San Juan Hill y alrededores, el complejo cultural del Lincoln Center, uno de los grandes centros artísticos del mundo.
El rodaje de la película de 1961 tuvo lugar durante aquellas obras que comenzaron en 1955. La película original no lo expone directamente, pero Spielberg ha visto la época con la perspectiva histórica suficiente como para introducir el miedo de aquellos jóvenes que iban a ser obligados a abandonar sus casas y su barrio ante la especulación inmobiliaria creciente de la zona. Los barrios populares iban a pasar a ser viviendas de lujo para ricos. La gentrificación del barrio se hace presente en la nueva película, es parte principal del contexto de la historia y de la motivación de los personajes.
5. Actualización musical
Tras ver la película de Spielberg queda la sensación de que con el maravilloso material original de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim hasta un teatro de marionetas en el parque nos habría emocionado, cosa que prácticamente justificaría cualquier adaptación de su obra. Pero seis décadas más tarde hay algunos arreglos musicales, muy respetuosos con el score original.
Cambian los cantantes, por supuesto, y las voces están mucho más cercanas a la sensibilidad actual. No solo porque no están doblados y cantan los propios Rachel Zegler, Ansel Engort y compañía. Ya no relucen aquellos gorgoritos tan de su época de los solos del personaje de Natalie Wood (doblada), hoy una de las pocas cosas que chirrían en la inolvidable banda sonora del filme de 1961.
6. Una actualización política y sociológica
Los graffiti con tiza y pincel y bote de pintura del filme de 1961, han sido sustituidos por un mural gigante con la bandera de Puerto Rico. Una declaración de intenciones. Lo que a finales de los 50 era habitual en EE UU, un racismo evidente hacia la inmigración latina en aquellos barrios hacia donde también habían llegado desde Europa otras nacionalidades en busca de un futuro, ahora puede contarse de otra manera. Y Spielberg lo asume y lo actualiza en una adaptación sin maquillaje. Los actores son efectivamente latinos y no ha habido que oscurecerles la piel para caracterizarles, y sus conversaciones entre ellos son en castellano.
El foco del filme son ahora los Sharks, la banda puertorriqueña y la familia de Bernardo (Chino, primer novio de María y clave en la acción, tiene mucha más presencia), que ya no solo se niega a que su hermana María vaya con con un blanco por ser diferentes, sino también porque les oprimen, les hacen la vida imposible. La película original se basaba en los Jets, la banda de blancos, de origen polaco: aquel líder que competía por el control de sus chicos con Tony era visto como una víctima, mientras que en la versión de 2021 ha pasado a ser un villano auténtico.
El policía interpretado por Corey Stoll en esta nueva versión también cambia un poco su actitud, mucho más comprensiva hacia los puertorriqueños que el que Simon Oakland se sentía mucho más cercano a los Jets, que no dejaban de ser de los suyos.
La actualización del filme no se centra solo en los temas de racismo, sino también en la discriminación por identidad sexual: el personaje de Anybodys, que en 1961 era una chica que quería formar parte de la banda, ante la oposición del resto, está ahora más matizado y es encarnado por el intérprete no binario Iris Menas.
7. María y Tony
Rachel Zegler interpreta el personaje de María que hizo popular una joven Natalie Wood con 20 años recién cumplidos, mientras Wood lo hizo con 23. Ansel Elgort hereda el personaje de Tony, y lo defiende con 27 años, mientras Richard Beymer era el más joven de todos, con solo 22 años en el momento del estreno. Los protagonistas de la versión de Spielberg cantan ellos mismos mientras los de 1961 fueron doblados.
Pero al margen de las diferencias estéticas, del maquillaje reforzando los rasgos latinos de Wood y de los sesgos que aporta cada actor al personaje (Ansel Elgort parece dominar más la situación), hay una gran diferencia en la escena en la que ambos se conocen en el baile. El filme original ahonda el lado romántico, con efectos de difuminado de todos lo que rodea a la pareja y luces oníricas, y muestra un beso en medio de la sala de baile del que todo el mundo es testigo. La versión actual los oculta de la mirada de los demás detrás de las gradas del gimnasio en el que se celebra la fiesta, es un encuentro más adulto, más sereno, quizá menos idealizado y seguramente con menos encanto.
8. ‘I Like to be in America’ y otros números
Uno de los grandes números de la película funciona mucho mejor en la original, a pesar de estar rodado en un decorado que simulaba la azotea de la casa de María, donde se reúnen los puertorriqueños. El diálogo que se establece entre chicas y chicos en I like to be in America funciona mucho mejor que el colorido paseo por las calles de Nueva York en el que Spielberg ha convertido este número festivo pero capital.
En general, la película de 2021 ha permitido sacar más escenas a la calle y mover mucho más la cámara, algo que ofrece mucha mayor vivacidad y posibilidades de movimiento. Es mucho menos monótona en cuanto a la relación entre coreografías y espacios. Hay algunos otros cambios destacables: el número Cool, que enfrenta a los líderes de los Jets se ha adelantado, con buen criterio, a antes de la gran reyerta, y se ha cambiado por completo el número de Officer Krupke, que ahora tiene lugar en la comisaría, con los chavales detenidos liándola en las dependencias policiales.
9. Rita Moreno
La actriz puertorriqueña, que acaba de cumplir 90 años, es el principal nexo de unión entre 1961 y 2021. En el clásico interpretaba a Anita, novia de Bernardo, personaje al que ahora da vida Ariana DeBose. Spielberg ha querido que vuelva a tener presencia importante en el filme. Ella, confidente de Tony, que trabaja en su tienda, representa a una generación que, pese a todo, se mezcló: viuda de Doc, el hombre que regentaba el local donde se reunían los Jets en el filme original, Valentina representa además a una mujer con personalidad y fuerza.
Se encara con la manada de jóvenes airados y afronta el intento de violación de Anita con arrestos frente a aquel “Hacéis de este mundo una basura” de Doc en el filme de 1961, al que uno de los violentos respondía: “No lo hemos hecho nosotros”. Un intento de justificación que hoy no es asumible.
10. Detalles del final
No hay grandes diferencias entre el final y las soluciones de ambas películas. Es cierto que en el filme de 1961 María le pide encarecidamente a Tony que evite la gran pelea, algo que ahora no pasa. Y que la pelea original es entre los dos supuestamente más fuertes de las bandas, algo que ahora en la versión de Spielberg tampoco, y que eso tiene consecuencias en el final.
Es muy parecido, sí, pero con matices espaciales y de colocación de la cámara: Spielberg no usa Somewhere (la Valentina de Rita Moreno canta Somewhere antes que el dúo María-Tony, en el principal cambio musical del filme), sino I Have Love, y lo hace como el musical de Broadway de 1957. Ahí pierde algo de fuerza el filme de 2021, que vuelve a recuperar en el momento en el que todos los chicos deciden cargar juntos el cuerpo de Tony. Chino tampoco acaba solo, es Valentina la que le va acompañar en ese último plano.
Bonus Track: El cartel
Pese a que todo el mundo piensa que el cartel original de West Side Story en 1961 fue obra de Saul Bass, ya que el maestro fue el encargado de diseñar los títulos de crédito y a que tiene ciertamente su impronta, no fue así. El diseñador de esa obra excepcional fue Joseph Caroff, aprendiz del maestro cartelista francés Jean Carlu, que se curtió con los diseños en la Oficina de Información de la Guerra en la II Guerra Mundial y que por aquella época también diseñó el logo de 007.
El cartel rojo de Caroff, un icono, con esas escalera de emergencia, que además es el único que se diseñó, es muy superior a cualquiera de los muchos pósters y teasers de la película de 2021. En uno de los carteles oficiales, el más extendido, la escena es la misma de la del póster de Caroff, pero con una fotografía de Engort y Zegler en la escalera. Correcto sin más. Y en uno de los teasers ilustrados, también remite a la ilustración de los sesenta, en blanco y negro, con una especie de graffiti en un muro de ladrillo. Ninguno está a la altura del diseño original de 1961.
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