El amor y la guerra marcan algunas de las propuestas para este fin de semana, a través de una tragedia de Shakespeare o en las impresiones que nos llegan desde Oriente. Comienzan a resurgir los musicales en Madrid y regresa La Noche de los Libros. Caminaremos al lado los actores ambulantes y escucharemos la gran música para el cine, completando la agenda de estos días.

1- Teatro. 'Antonio y Cleopatra' de William Shakespeare

Sergio Parra

Es uno de los estrenos más esperados de la temporada teatral madrileña y reúne a Lluís Homar y Ana Belén en una tragedia de Shakespeare tan simbólica como Antonio y Cleopatra, reviviendo la relación que no sólo enlazó dos personalidades de primer orden en la Historia Antigua, sino que vinculó Oriente y Occidente sobre un lecho imperial. Ambos intérpretes no habían coincidido nunca en un escenario a lo largo de sus ya dilatadas carreras, y además Ana Belén tampoco había actuado en el Teatro de la Comedia, sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. El amor y la guerra fundidos en una obra en cinco actos, desarrollada en una acción llena de elipsis y cambios de escena, de Siria a Atenas, de Roma a Alejandría, pasando por el mar Mediterráneo donde se libran batallas cruciales. Desde la primera escena, el texto de Shakespeare plantea la incompatibilidad entre la vida del guerrero, en este caso Antonio, y una pasión amorosa como la que éste siente por Cleopatra. Los triunfos de antaño se tornan en retiradas innobles del campo de batalla, turbado el romano por su querencia egipcia, hasta el punto de manifestar que no sentiría la caída del Imperio si lo contemplara desde los brazos de su amada. Lluís Homar plasma la deriva de Antonio de manera magistral, haciendo gala del dominio del verso que todos conocemos, en otra interpretación para el recuerdo. Ana Belén le da la réplica con una Cleopatra temerosa de perder a su amado, altiva y poderosa. A la veteranía de ambos se une la del director José Carlos Plaza, que aporta el ritmo adecuado a la función, envuelta en una eficiente ambientación sonora y humo a discreción, todo reflejado en un escenario de espejos y compuertas, versátil y finamente iluminado. De José Carlos Plaza algunos recordamos vagamente todavía aquél montaje de La Casa de Bernarda Alba para el Teatro Español (1984), con un apabullante plantel de grandes damas de la escena: Berta Riaza, Aurora Redondo, Mari Carmen Prendes, Magüi Mira… y la propia Ana Belén. También acuden a la memoria las referencias cinematográficas con esa monumental Cleopatra, de Mankiewicz (1963), aunque hay que decir que Lluís Homar tiene una voz más templada que Richard Burton y el vestidazo que luce Ana Belén le arrastraría a Liz Taylor. Volviendo al Teatro de la Comedia, Ernesto Arias asume con brillantez un papel de gran entidad como el de Enobarbo, testigo y catalizador atento de toda la acción hasta su final desesperado. Rafa Castejón y Fernando Sansegundo también aportan su conocimiento de tantos años trabajando el teatro clásico y redondean una función excelente.

2- Arte. ‘Japón. Una historia de amor y guerra’

Tomioka Eisen (1864-1905)

Del amor y la guerra que se escenifican en el drama Antonio y Cleopatra, a la visión que de ambos aspectos de la vida, y otros muchos, impregnan las más de 200 piezas pertenecientes a dos de las colecciones de arte japonés más prestigiosas del mundo. Un viaje por la atmósfera elegante y refinada del país nipón, que se muestra con extensión en el sótano del Palacio de Cibeles. Buena parte de las piezas son xilografías (ukiyo-e), impresiones en relieve que se realizan tras un laborioso proceso con planchas de madera talladas: partiendo de un dibujo en una fina hoja de papel, el grabador tallaba la pieza matriz dejando en relieve las partes a estampar. Luego se realizaban tantas matrices de madera como colores se preveían añadir, para completar composiciones con tantos matices como algunos trípticos espectaculares, abigarrados en su composición. (recomiendo un maravilloso video en Youtube con este título: The Ukiyo-e Technique: Traditional Japanese Printmaking). La exposición es muy extensa y cuenta con 11 secciones que recorren el paisaje, el mundo de los samurais, el 'teatro no' y kabuki, la imagen de la mujer, etc. En ellas podemos comprobar los contrastes tremendos entre las obras, que van desde la quietud de algunos paisajes, hasta torrentes de agua que atrapan el dinamismo de la corriente; la expresiva furia marcada en los rostros de los samurais, o la delicadeza virginal del rostro de las mujeres. Algunas xilografías muestran el vigor de las peleas entre míticos guerreros y la musculatura tensa en momentos de agonía, y en sus caras creemos reconocer algún antepasado de Toshiro MIfune. Se exponen también objetos de uso diario y espectaculares armaduras de guerreros tribales, previos a la institución del samurai clásico. Desde algunas salas nos llega el eco de la música empleada en el tradicional 'teatro no', gracias a pantallas de video que muestran alguna de esas representaciones, de un estatismo difícil de asimilar por la cultura dramática occidental. Este teatro podrá estar muy bien, con sus músicos en escena y sus máscaras, pero donde se ponga Calderón… En cualquier caso, se trata de una oportunidad para sumergirse en la fascinante tradición de Japón, a través de una completa muestra de sus manifestaciones artísticas más sutiles.

3- Musical. 'Grease' en el Nuevo Teatro Alcalá

Adolfo Ortega

El musical Grease celebra este año el 50 aniversario de su estreno, realizado en Chicago en agosto de 1971 bajo una producción original que costó tan sólo 200$, incluyendo los 70$ que se pagaron por un Chrysler de 1951 que pasaría a ser el "Grease Lightning", el coche sobre el que un grupo de jóvenes mecánicos cantaba la famosa canción del mismo título, mientras señalaban el horizonte. Esa juventud obrera americana de los años 50 recibía el apelativo de 'greasers' y el vínculo que los unía, aparte de la grasa del taller, era el peinado y la música 'Rock and Roll' a la que se homenajea en este musical. La producción que se estrena en el Nuevo Teatro Alcalá aprovechando el aniversario, ha resultado bastante más cara que aquellos doscientos dólares, y cuenta con un numeroso equipo de artistas musicales muy jóvenes, aunque todos ellos con experiencia en televisión y otros musicales. Por ejemplo, muchos de ellos participaron también en el exitoso Billy Elliot. El COVID produjo un parón drástico en la industria del teatro musical, ya que se trata de producciones que involucran a más de 100 personas en casi todos los casos, y las posibilidades de contagio eran altísimas. Una vez estabilizada la incidencia y recuperada la movilidad que permite al turismo desplazarse a la capital, el inicio de temporada está siendo efervescente y los teatros madrileños comienzan a ofrecer grandes títulos musicales en producciones como la que nos ocupa. Este tiempo aciago sin actividad sobre el escenario ha permitido, sin embargo, que jóvenes como los que veremos en Grease hayan participado en un programa de formación de hasta dos años y medio, con ensayos continuos y una preparación extra, cuyos frutos podrán apreciarse en las funciones previstas a partir de este fin de semana. La intención de los responsables ha sido ofrecer un montaje que aprovechara todo el talento de estos jóvenes en un musical clásico y conseguir una propuesta alegre y colorista. Se han añadido más toques de humor y referencias al Pop Art. Será inevitable recordar a John Travolta y Olivia Newton-John en aquel campanazo de 1978, pero seguro que estos nuevos “brillantinas” acaban siendo realmente brillantes. Además ahora el tupé no hay que ponerlo postizo, porque los chavales vienen con él de serie.

4- Teatro. 'El Viaje a ninguna parte' de Fernando Fernán Gómez

E.MORENO ESQUIBEL

Fernando Fernán Gómez habría cumplido 100 años en 2021 y es de agradecer que en el teatro madrileño que lleva su nombre se represente una obra, El viaje a ninguna parte, que curiosamente no nació como pieza teatral, ni siquiera como película, sino como serial radiofónico. El éxito fue importante en la radio y eso llevó al autor primero a firmar una novela y luego a dirigir una película que obtuvo gran repercusión y numerosos premios. Y así llegamos a esta adaptación teatral de Ignacio del Moral, que es la que se presenta bajo la dirección de Ramón Barea, insigne intérprete que oficia con autoridad como una especie de trasunto de Fernán Gómez, asumiendo el papel de primer actor de la compañía imaginaria que malvive de pueblo en pueblo, en unas rutas que se agotaban irremediablemente en los años cincuenta. Se trata de una comedia que alberga mucha tristeza en su interior, puesto que describe ese vagabundeo que los actores ambulantes arrostraron por nuestras mesetas, llevando sus maletas y abrigos raídos de acá para allá, levantando el polvo de los caminos, un efecto que se utiliza, por cierto, durante toda la función. La condiciones miserables que unos artistas vocacionales se vieron obligados a aceptar, atrapados en la encrucijada del final de una época, rezando para no encontrarse en el siguiente pueblo con el “peliculero” que desviaría la atención de los paisanos hacia una proyección seguramente más atractiva. La representación deja vislumbrar el tipo de funciones que se “echaban” por los pueblos en la posguerra, marcadas por un simplón histrionismo, cuando no recurriendo al reclamo de un erotismo cutre que tampoco surtía efecto. En una escena resuelta confusamente, también se muestra cómo el estilo interpretativo de aquellos actores no encajaba en los requisitos del lenguaje cinematográfico, aunque el séptimo arte, o meramente un teatro estable en la capital, se veía como el destino soñado por aquellas pobres gentes. Valga como homenaje a la profesión ambulante, desarrollada en los años cuarenta y cincuenta, el esfuerzo que los actores de estas funciones muestran, con mayor o menor fortuna, bajo la plaza de Colón. Los actos de homenaje a Fernán Gómez tendrán continuidad con una función dirigida por José Sacristán en diciembre, de la que seguro daremos cuenta en estos hilvanes culturales de Madrid.

5- Música cinematográfica. Hans Zimmer y John Williams

Fundación Excelentia

La Fundación Excelentia suele reservar alguna de sus variadas ofertas musicales a las partituras creadas para el cine, y este fin de semana propone un concierto dedicado completamente a dos de las grandes figuras de la música cinematográfica: Hans Zimmer y John Williams. La Royal Film Concert Orchestra (RFCO) es una orquesta integrada por profesionales pertenecientes a las mejores orquestas y escuelas europeas, cuyos músicos no solamente abordan el repertorio clásico sino también otros estilos. Con vocación de ser un referente en la interpretación de la música de cine, está formada por más de 90 profesores, pertenece a la Fundación Excelentia y ofrece conciertos de bandas sonoras de cine en algunas capitales españolas. Asimismo, se ha especializado en la interpretación de música en directo de películas completas en pantalla grande. El listado de películas que Williams y Zimmer nos han legado es interminable, pero de entre ellas se anuncia que sonarán temas de las más conocidas, bajo la dirección orquestal de Carlos Riazuelo: Piratas del Caribe, Hook, El Rey León, E.T., Nacido el 4 de Julio, Sherlock Holmes, El Código Da Vinci, Jurassic Park, Gladiator, Madagascar, Backdraft, La Lista de Schindler, Time, Harry Potter y, como colofón, Star Wars (Marcha Imperial y Tema de Leia). Todo ello compondrá una BSO imaginaria que servirá también como ejercicio de nostalgia cinematográfica, recordando aquellas películas que disfrutamos en su momento frente a la gran pantalla.

6- Literatura. La Noche de los Libros

Comunidad de Madrid

La Noche de los Libros despliega por todo Madrid una serie de encuentros, debates, conversaciones, recitales, improvisaciones y conciertos, todos ellos centrados en los libros y la literatura, durante la primera noche de octubre. Carlos Pardo, asesor literario de La Noche de Los Libros 2021, rememora en la introducción a este festival creado por y para los lectores, la década de los años veinte, cuando “un grupo de jóvenes poetas y literatos funda en Madrid una provocadora revista con un nombre programático: Ultra ¿Cuáles eran las intenciones de estos jovencísimos creadores? Empezar de nuevo, sacudir la literatura de sus tópicos anquilosados, abrirla al cine, al deporte, al arte, a la velocidad de la calle y de la ciudad moderna”. El listado de actos es muy largo, a pesar de ocupar sólo una noche, y entre ellos destacan, por ejemplo, la conversación que en la Biblioteca Nacional mantendrán Jon Juaristi y Félix de Azúa sobre el legado de los movimientos de la vanguardia artística que ambicionaron cambiar el mundo y al hombre. En otra mesa redonda, como un nuevo homenaje a Fernando Fernán Gómez, Manuel Gutiérrez Aragón y Jesús Ruiz Mantilla conversarán sobre la obra del cineasta, trascendiendo su faceta actoral para abordar su labor como director, escritor y dramaturgo. En la Real Academia Española, Álvaro Pombo y Andrés Trapiello tratarán sobre las Maneras de narrar Madrid, trazando un recorrido por el callejero de la capital; Carmen Posadas estará en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Antonio Muñoz Molina en el Museo del Prado y Luis Antonio de Villena en CentroCentro. La entrada a los eventos puede ser libre hasta completar aforo o requerir inscripción previa a través de la web. Aquí ocurre como siempre: uno hace su cuidada selección y luego va descubriendo espantado que todos los eventos elegidos están completos. Va buscando alternativas y rebajando expectativas hasta llegar a aquella tía abuela que en la biblioteca de su barrio charlará sobre su novelita con… bueno, con el que se presente. Suerte y buenos libros.