"Es mucho más cómodo declarar que todo es absolutamente feo en el vestido de una época, que aplicarse a extraer la belleza misteriosa que puede contener, por mínima y ligera que sea". La frase del escritor francés Charles Baudelaire sirve de puerta de entrada al libro Fashion Photography Next, que podría traducirse por La fotografía de moda que viene. La cita tiene sentido y se adapta a la materia: Baudelaire fue el acuñador del término modernidad, a la que definía como el "elemento transitorio, fugitivo, cuyas metamorfosis son frecuentes" y que marcan una época.

Los 35 nuevos valores de la fotografía de moda que son seleccionados en el libro siguen la tesis de Baudelaire al representar los "perfectamente armoniosos" modelos de moda de estos tiempos como "un todo de una completa vitalidad". El tomo, que presenta artistas de 14 países, está coordinado por la fotógrafa, escritora y curator Magdalene Keane y editado por Thames & Hudson.

Al mismo tiempo una selección de la fotos incluidas en el libro se exhiben en Don't Stop Now: Fashion Photography Next (No pares ahora. la fotografía de moda que viene), en el museo FOAM de Ámsterdam hasta el 7 de septiembre, una muestra sobre la "dinámica, colorida y multifacética" fotografía de moda contemporánea.

Tras recordar que los fotógrafos de moda, pese al carácter comercial del subgénero, "son, ante todo, fotógrafos" y han experimentado con el medio durante los últimos cien años, en ocasiones quebrantando la idea académica de belleza, añadiendo elementos del estado de ánimo ansioso del presente o moviéndose con suficiente maestría entre el comercio y la creatividad, lo masivo y las subculturas como para elevar a arte las imágenes de alta costura. En este terreno paradójico trabajan los 35 seleccionados, entre los cuales solamente aparece un español, el catalán Daniel Riera.

La variedad de estilos y la búsqueda de lenguajes híbridos caracterizan al grupo de fotógrafos emergentes destacados por el libro y la exposición. La diversidad de enfoques y la abundancia de métodos fotográficos provienen, curiosamente, de los procesos analógicos y no de las técnicas digitales: las intervenciones manuales sobre las fotos, con añadidos de pintura, grafismo, escultura o collage son frecuentes para crear atmósferas artificiales. La regla más importante del colectivo, dice Keane, "es que no hay reglas".

El mismo ideal híbrido se da en la forma de representación y el tono de las imágenes, donde los modelos aparecen posando frente a un gorila, haciendo contorsionismo corporal o enmascaradas.

La experimentación gráfica intrépida de Axel Hoedt, la fascinación con los trajes regionales y el estilo pictorialista de Erik Madigan de Heck, el uso del color y la luz naturales de Daniel Jackson, el dinamismo de Hanna Putz, el tono realista y callejero de Jamie Hawkesworth, Chardchakaj Waikawee, Samuel Hodge, Chad Moore y Tyrone Lebon... son algunas de las propuestas de artistas que ya han desarrollado estilos propios.

Destacan también Alice Hawkins, que se mueve con naturalidad entre la foto documental y los montajes fantásticos; Immo Klink, cuya práctica, como la de muchos de los fotógrafos seleccionados, se caracteriza por la hibridez, presentando una campaña de publicidad basada en el encuentro de un humano con los tripulantes de un ovni, y Clare Shilland explora las posibilidades creativas de la película Polaroid.

La coordinadora resalta la importancia para esta generación de fotógrafos, que rondan los treinta años, de las posibilidades de difusión de Internet, la estética derivada de los blogs y las redes sociales y el abaratamiento de la autoedición. Los 35 artistas seleccionados para el libro y la exposición "no son ampliamente conocidos fuera de los círculos de expertos del sector, pero deberían serlo", añade, porque su trabajo es "vital, progresista y dinámico".