20 películas que cumplen 20 años en 2020

Algunas han pasado la prueba del tiempo y hoy día son auténticos clásicos. Otras, no han sido recordadas aunque en su momento destacasen con un magnífico guion o unas grandes interpretaciones. Un puñado de ellas han vivido sin pena ni gloria, pero nos encantan.

Hace 20 años la industria del cine se encontraba en un momento de inflexión. Los avances tecnológicos abrían las puertas a una nueva etapa en la que el límite lo ponía solamente la imaginación -y el presupuesto-. El modelo tradicional comenzaba a estar amenazado y la piratería se encontraba en auge.

Le poníamos por fin nombre a las caras, poco conocidas hasta entonces, de grandes promesas de la actuación como Russel Crowe, Christian Bale o Kirsten Dunst. El año anterior había traído consigo títulos estelares: desde Matrix hasta La amenaza Fantasma, pasando por El Club de la lucha o Eyes Wide Shut. El cine nunca volvería a ser el mismo. Ya no había vuelta atrás.

Comenzaba una nueva era para el género de ciencia ficción y en especial, para el cine de superhéroes. Saltaban a escena directores de gran talento como el inglés Christopher Nolan o una joven Sofía Coppola, y se rodaban auténticas obras maestras que han influido enormemente en la cultura popular. Comenzaban sagas que marcarían una generación, y sería el preludio de otras aun más inolvidables, a tan solo un año de conocer la primera película de la trilogía de Peter Jackson, El Señor de los Anillos, o Harry Potter y la Piedra Filosofal, de Chris Columbus.

Señores y señoras, sean bienvenidos a las salas de cine del año 2000.

Es una de las grandes películas épicas del cine y una de las más premiadas en su año de estreno. Los que piensan en el Coliseo sin recordar esta obra de Riddley Scott son, casi seguro, una minoría. A Gladiator le debemos el haber reunido en escena a un tremendo Russel Crowe en el papel de Máximo Décimo Meridio y un jovencísimo Joaquin Phoenix como el malvado emperador Cómodo, dos interpretaciones destacadas en la carrera de ambos. Supuso el resurgir del género épico, que en los años próximos vería títulos como Troya o 300, y fue un gran éxito tanto en taquilla como para la crítica, ganando 5 estatuillas -entre ellas Mejor película y Mejor actor para Crowe-.

La recordamos por: Cuando Máximo descubre su identidad, una vez llegado a Roma como esclavo, con estas palabras: «Me llamo Máximo Décimo Meridio, comandante de los Ejércitos del Norte, general de las Legiones Félix, leal servidor del verdadero emperador Marco Aurelio, padre de un hijo asesinado, marido de una mujer asesinada, y alcanzaré mi venganza en esta vida o en la otra».

Esta emblemática película de Robert Zemeckis muestra a Tom Hanks como Chuck Noland, un empleado de FedEx que se queda atrapado y al borde de la locura en una isla desierta. Fue una de las más taquilleras en el año 2000, solo por debajo de Misión Imposible y Gladiator. Su historia, concebida a partir de una idea original de Tom Hanks, ha sido catalogada como una de las mejores narraciones de supervivencia en la historia del cine. Un viaje a través de la transformación psicológica de un personaje que se aferra a la vida a pesar de la terrible soledad. La maestría de Zemeckis para contrastar los tiempos y las escenas dentro y fuera de la isla y la interpretación de un genuino Hanks, le otorgaron el título de clásico.

La recordamos por: Cuando Nolan tiene que elegir entre su vida o la de Wilson mientras escapa de la isla en una barca improvisada. ¿Alguna vez pensaste que te emocionarías tanto por un balón?

La primera entrega de la saga X-Men dirigida por Bryan Singer es digna de recordar por varias razones. Para empezar, contó con un casting memorable encabezado por Ian McKellen como Magneto y Patrick Stewart como el Profesor Xavier, además del debut de Hugh Jackman en Hollywood. La popularidad que alcanzó esta cinta suscitó una enorme colección de secuelas, precuelas y spins-off de la saga y supuso un impulso al género de superhéroes que ha vivido en los años posteriores su época dorada. La historia que narraban los cómics y la serie de animación era una crítica a la exclusión y persecución de las minorías. Este trasfondo político llamó la atención de un joven Bryan Singer, judío y homosexual, quien decidió llevar al cine la historia de Lobezno y los X-Men.

La recordamos por: La acertada decisión de convertir los estrafalarios uniformes de superhéroes de los cómics en sencillos trajes de cuero negro.

Basada en una historia real y protagonizada por Julia Roberts bajo la dirección de Steven Soderbergh fue una de las películas destacadas del año 2000. Narra la lucha de la activista Erin Brockovich-Ellis contra la Pacific Gas and Electric Company. Julia Roberts consigue una interpretación deslumbrante y crea un rápido vínculo con el espectador. Gracias a su magnífico trabajo consiguió el Oscar a mejor actriz, el primero y el último de su carrera.

La recordamos por: La emotiva interpretación de Roberts en un drama que destaca la posición de la mujer luchadora y el activismo en contra de grandes corporaciones como forma de justicia social.

En medio de una situación familiar hostil y en el marco de las revueltas mineras entre 1984 y 1985 en Inglaterra, Billy decide que lo que realmente le gusta es el ballet. El director Stephen Daldry debutaba en la gran pantalla con una película sobre la lucha en contra de los prejuicios y los estereotipos arcaicos que nos impiden perseguir aquello que verdaderamente queremos. Las interpretaciones tanto de Jaime Bell (BAFTA a mejor actor por su papel como Billy) como de Julie Walters en el papel de la profesora de baile y Gary Lewis como el padre del joven, le valieron la alabanza de la crítica. La recordaremos siempre por su brillante uso de la banda sonora y su llamada a la lucha por el optimismo, la confrontación con aquello que nos impide lograr nuestros objetivos y la perseverancia como único método para alcanzar la gloria.

La recordamos por: Después de que tanto su padre como su hermano le dejen claro a la profesora Wilkinson que Billy no será un bailarín, el protagonista canaliza su rabia en una tremenda coreografía por las calles del barrio.

Especialmente recomendada para nostálgicos de la época dorada del rock and roll. Casi famosos echaba la vista unas décadas atrás, cuando el rock, las grupies y los reportajes de la Rolling Stone estaban en la cresta de la ola. Cameron Crowe dirigió esta obra de marcado carácter auto-biográfico en la que rememoraba los años en los que escribió para la famosa revista musical mientras acompañaba a bandas como Led Zeppelin, The Allman Brothers Band o los Eagles. La película consiguió varias nominaciones y premios, incluyendo el Oscar a Mejor guión original y dos Globos de Oro -Mejor actriz de reparto para Kate Hudson y Mejor comedia-.

La recordamos por: Devolvernos el auténtico espíritu del rock: sexo, drogas y rock and roll.

Esta comedia adolescente nos acercó al mundo de las animadoras. La competitividad y el sacrificio son ingredientes principales en una película llena de momentos cómicos, que se convierte en el perfecto entretenimiento. Protagonizada por unas jovencísimas Kirsten Dunst y Eliza Dushku, su éxito propulsó varias secuelas. Fue la toma de contacto con la dirección para Peyton Reed, que después se pasaría a las películas de superhéroes con Ant-Man.

La recordamos por: las complejas coreografías que nos desvelan el aspecto más estrictamente gimnástico y deportivo del mundillo cheerleader.

Tres reclusos con pocas luces logran escapar de la cárcel para ir en busca de la fortuna que uno de ellos enterró antes de entrar en prisión. A partir de su fuga, se sucederán una cantidad de situaciones hilarantes, reflejo de la América más rural. George Clooney encabeza el reparto de esta película junto a unos talentosos Tim Blake Nelson y John Turturro en una historia con el sello de calidad -y peculiaridad- que imprimen los hermanos Cohen. Combina una genial selección de música country, humor por doquier y crítica a una sociedad aún abiertamente racista.

La recordamos por: Los hermanos, movidos por la necesidad de obtener dinero rápido, se marcan un tema al ritmo de la folklórica Man of Constant Sorrow.

Comienzo de una de las sagas de terror más populares de los últimos años. Esta primera entrega dirigida por James Wong servía de presentación para la franquicia formada por un total de 5 títulos. En ella el protagonista tiene una premonición en la que muchas personas fallecen de forma trágica en un accidente de grandes proporciones. Tras lograr salvar las vidas de sus amigos, descubre que no hay manera de escapar al plan que la muerte tiene para cada uno de ellos conforme estos van falleciendo uno tras otro de la forma más truculenta.

La recordamos por: Las orquestadas muertes de los protagonistas, como si de un mecanismo perfecto o una serie de complicadas coincidencias se tratase.

En el 2000 veía la luz la primera entrega de una de las sagas más longevas y populares del cine de comedia creada por los hermanos Wayans, Jason Friedberg y Aaron Seltzer. Una mofa a todos los estereotipos de películas del género de terror con el único fin de ser ridículamente tronchante. Su irreverencia y sus múltiples referencias a la cultura popular del momento le valieron alzarse como una de las comedias emblema de una generación, que traería consigo numerosas secuelas y variaciones que abandonaban el género terror y se fijaban en otros estereotipos, como Epic Movie o Date Movie.

La recordamos por: La pelea al estilo Matrix entre Cindy y el asesino.

Rob (John Cusack) hace un repaso de sus fracasos amorosos e investiga por qué su novia le ha dejado a la vez que trata de recuperarla. Mientras, regenta una tienda de vinilos en decadencia donde discute sobre música con sus compañeros Barry (Jack Black) y Dick (Todd Louiso). Stephen Frears adapta la novela homónima de Nick Hornby, dando lugar a una entretenida comedia romántica donde no encontramos con un genial Cusack explicando a cámara las vicisitudes de la vida.

La recordamos por: Toda la banda sonora de la película es un viaje pop elegido con mucho gusto.

Hayas o no hayas sido nunca una chica de 13 años, Las Vírgenes Suicidas no es una película que genere indiferencia. Esta adaptación de la novela de Jeffrey Eugenides se convirtió en un hito para muchas jóvenes y catapultó a la fama a una joven Sofía Coppola que debutaba como directora. La música de Air se conjuga a la perfección con la dirección de fotografía de Ed Lachman en esta obra de la que 20 años después se puede rastrear su influencia en otros títulos como la turca Mustang.

La recordamos por: La conversación musical por teléfono entre las hermanas y los muchachos del barrio.

Adaptación dirigida por Mary Harron de la novela de Bret Easton Ellis sobre un hombre de éxito que sucumbe a la locura en un ambiente de alta competitividad y fingida corrección. La idea original está pensada como una dura crítica a la sociedad norteamericana, reflejada en las oscuras pulsiones de un joven que trata de escapar del tedio mediante la violencia más brutal. Christian Bale estaba advertido de que arruinaría su carrera después de interpretar al perturbado Patrick Bateman. Sin embargo, logró bordar una de las mejores actuaciones de su carrera y abrirse camino a otros grandes papeles en la meca del cine que le han valido un gran reconocimiento como actor.

La recordamos por: La escena en la que Patrick y sus compañeros se muestran sus nuevas tarjetas de visita, todas muy similares aunque con detalles diferentes que hacen brotar por primera vez y de forma muy evidente el instinto psicópata del protagonista.

Aronofsky se abrió camino en el cine como uno de los directores más aventajados de su generación con este durísimo retrato de la adicción a las drogas. Dirigido con un estilo que le ha hecho célebre, ideó nuevas técnicas narrativas y visuales que hacen de Requiem por un Sueño un clásico del cine moderno y un título obligatorio. Su banda sonora es un acompañamiento solemne que funciona a la perfección y resuena casi como un himno para cualquiera que conozca la cinta. El director consiguió de Jared Leto, Ellen Burstyn y Jennifer Connelly interpretaciones espectacularmente descarnadas que llevan la película a otra dimensión.

La recordamos por: Las escenas en las que los protagonistas consumen droga y el subidón es narrado visualmente mostrando elementos fisiológicos como las pupilas que se dilatan o un torrente sanguíneo.

Uno de los grandes títulos cuando hablamos de venganzas cinéfilas. Leonard no puede recordar nada, pero necesita hacérselas pagar al asesino de su esposa. Su única manera de saber por qué hace lo que hace es ir tomando fotos como pequeños recordatorios. Esta laberíntica historia encumbró a Christopher Nolan antes de otros grandes títulos del director como Origen o la trilogía de Batman y fue su carta de presentación en Hollywood. Su gusto por una estética con personalidad y un uso del color excelente, además de un guión inmejorable la convierten en una obra maestra que se disfruta igual hoy que hace 20 años.

La recordamos por: Sin duda, lo que realmente nos queda en la memoria de esta película es su compleja estructura que nos descubre paulatinamente la verdad que busca Leonard.

En el humilde barrio de Carabanchel, el pequeño Bola sobrevive a un ambiente hostil, con un padre que le maltrata y una madre que es incapaz de impedírselo. Un retrato de una España donde la sombra del V.I.H todavía era alargada, con barrios desfavorecidos en los que las esperanzas y motivaciones de los más jóvenes se presentaban escasas. Con esta película debutaba un sobresaliente Juan José Ballesta. Su mirada taciturna y su temple meditabundo le otorgaban gran profundidad al personaje y le valieron el Goya a Mejor actor revelación. La película, dirigida por Achero Mañas obtuvo además el galardón a Mejor película, Mejor dirección novel y Mejor guión original.

La recordamos por: El contraste entre los estilos de vida de los dos amigos protagonistas.

Álex de la Iglesia tiene la capacidad de inquietarnos enormemente y hacernos reír a carcajadas al mismo tiempo y La comunidad es una perfecta mezcla de estos dos ingredientes. Julia (Carmen Maura) trata de vender un lujoso piso en el centro de Madrid cuando descubre una fortuna de 300 millones de pesetas en el piso de arriba, cuyo inquilino ha fallecido. Los vecinos de la comunidad la acosan para que renuncie al dinero que tanto tiempo llevan esperando. Esta película sería el germen conceptual para la popular serie Aquí no hay quien viva, donde además repetían algunos de sus actores. La interpretación de Maura y un guión y estética sobresalientes la convierten en clásico del cine español y uno de los grandes títulos que marcan el estilo de Álex de la Iglesia.

La recordamos por: La escena en la que toda comunidad persigue a Julia por los tejados para arrebatarle la fortuna.

Selma es una inmigrante checa. Poco a poco va perdiendo su vista y se refugia en su únicas pasiones: la música y el baile. Mientras, trabaja duro en una fábrica e intenta ahorrar para pagar la operación de su hijo y evitar así que también quede ciego. Björk protagoniza la última película de la trilogía Corazón dorado de Lars Von Trier -que incluía Los idiotas y Rompiendo las olas-. Aquí el director se alejaba del manifiesto cinematográfico que creo en 1995, aunque continuaba conservando aspectos del dogma como las grabaciones con cámara en mano y de baja calidad. Este intenso drama resultó ganador de la Palma de Oro y el premio de mejor actriz en Cannes.

La recordamos por: Las escenas musicales no tienen desperdicio por lo atípico de la forma de trabajar de Lars Von Trier junto a las composiciones musicales de marcado carácter experimental de la propia Björk.

Dos extraños coinciden en un hotel. La prolongada ausencia de sus respectivas parejas hace que ambos entablen una amistad que poco a poco se transforma en atracción. Wong Kar-wai firmaba la que para muchos es la mejor película de su carrera, en la que a menudo se suceden historias melancólicas donde el desamor es el protagonista. El cuidado en la fotografía y la selección de la música la elevan a la categoría de obra maestra y es una de las películas más aclamadas por la crítica en la historia del cine moderno. Destaca el magnetismo entre Maggie Cheung y Tony Leung, una pareja emblemática que veremos también como amantes dos años después en la épica Hero de Zhang Yimou.

La recordamos por: Las idas y venidas de los protagonistas al puesto de fideos, en las que tan solo cambia el vestuario, mientras de fondo suena Yumeji’s Theme de Shigeru Umebayashi. Probablemente una de las escenas más poéticas del cine actual.

Alejandro González Iñárritu sorprendía al mundo hace 20 años con esta cinta donde tres historias se entrelazan a través de un accidente automovilístico. La relación humano-perro le sirve como vinculante para narrar diferentes tragedias donde los protagonistas deben arriesgar algo por aquello que aman. Cuenta con un guion brillante que le valió numerosos nominaciones en el circuito de festivales. Una historia en la que tanto la violencia más visceral como el amor y la redención tienen cabida. Amores perros forma la trilogía de la muerte junto a las películas 21 gramos y Babel y supuso el debut del aclamado Iñárritu además de lograr el título de película de referencia para el nuevo cine latinoamericano.

La recordamos por: La brillante historia de El Chivo y su transformación.