• La exposición 'Lost Then Found' recupera una sesión fotográfica con el artista que permaneció durante décadas archivada en un almacén.
• Muestra imágenes poco habituales: "revelan a un Warhol diferente del que la mayoría de nosotros ha sido testigo", asegura el editor de la revista 'Interview'.
• El autor de las fotografías es Steve Wood, un veterano del periódico 'Daily Express'.

Hace más de 30 años en Deauville, al sur de Francia, la cámara del veterano fotógrafo Steve Wood cambió de lado y apuntó con su objetivo hacia Andy Warhol. El artista obsesionado con los famosos se convirtió en el protagonista de una sesión fotográfica que entonces fue relegado a un almacén y archivado como 'W'.

En algún momento del año pasado, un amigo del fotógrafo se topó con el tesoro de diapositivas de 35 mm y le persuadió de que las imágenes "perdidas" merecían los 15 minutos de fama de Warhol.

La exposición resultante es Lost Then Found, que se inaugura el 3 de mayo y que durante diez días en Nueva York mostrará imágenes poco habituales en las que se puede ver a Warhol posando con un girasol gigante y una mochila, o haciendo un guiño.

"Estas fotografías revelan a un Warhol diferente del que la mayoría de nosotros ha sido testigo", dijo Christopher Bollen, editor de la revista Interview, que Warhol fundó en 1969 y que apoya la exposición.

"Es un testamento del fotógrafo y una oportunidad para reevaluar su relevancia como uno de los artistas más influyentes del último siglo", dijo Bollen.

Una sesión con historia propia

Los orígenes de las imágenes de Deauville de 1981 fueron tan insólitos como su redescubrimiento.

Warhol y Wood, un veterano del periódico británico Daily Express tanto del frente de guerra como de desfiles de moda, se conocieron a través de una amiga común, la restauradora de Nueva York Elaine Kaufman.

Tanto el fotógrafo como el periodista superaron las reticencias iniciales, y Wood descubrió que la luz que había inspirado a los pintores impresionistas un siglo antes era perfecta para un pálido Warhol, dijeron los organizadores de la exposición.

La Fundación Andy Warhol, con sede en Pittsburgh, que supervisa el legado del artista fallecido, es también colaboradora de la exposición, que alberga una galería de arte de Nueva York.

Warhol, quien murió en 1987 a los 58 años, fue conocido por sus pinturas de arte pop sobre artículos emblemáticos como la sopa Campbell o atractivos retratos de famosos, incluyendo a Marilyn Monroe, Mick Jagger y Elvis Presley.

También hizo incursiones en el mundo de la música y del cine y su estudio, the Factory, fue base de operaciones para una generación de famosos en Nueva York.

• Editan "Grace, Andy, Keith, Robert y cía", la crónica del 'making off' de una sesión de 1984 que reunió a cuatro mitos del arte de Nueva York.
• La modelo era la cantante Grace Jones, a quien pintó el cuerpo Keith Haring y retrató el fotógrafo Robert Mapplethorpe para la revista que editaba Andy Warhol.
• Como ayudante trabajó el joven madrileño Javier Porto, cuyas fotos de la movida madrileña se exponen en Málaga.

¿Protagonistas? Cuatro grandes mitos del siglo XX: el fotógrafo Robert Mapplethorpe, el mecenas y gurú Andy Warhol, el artista-guerrillero Keith Haring y la disco queen Grace Jones. ¿Lugar? El estudio del primero, en la calle Bond de Nueva York. ¿Momento? El 28 de julio de 1984. ¿Motivo? Una sesión de fotos para la revista Interview —fundada (1969) y editada por Warhol— que realizaría Mappelthorpe a Grace Jones con el cuerpo cubierto por dibujos de Haring.

En medio de las luminarias, trabajando como ayudante, estaba el madrileño Javier Porto (1960), que ahora expone y edita las fotografías que logró hacer de las interioridades de la sesión, una especie de making off de un momento irrepetible. Grace, Andy, Keith, Robert y cía es una suite que forma parte de la exposición Los años vividos, una antología de la obra fotográfica de Porto que se expone en La Térmica de Málaga hasta el 16 de junio.

18 horas de trabajo duro

El catálogo de la muestra acaba de ser editado por La Fábrica en un par de volúmenes: La noche se mueve es una colección de instantáneas de la móvida madrileña y Grace, Andy, Keith, Robert y cía resume el encuentro de 18 horas de trabajo duro de las cuatro estrellas del arte de la segunda mitad del siglo XX.

  Bregado, como apuntan los editores, "en los salones del glamour y el dinero" de la movida madrileña, Porto hizo fotos de todos los aspirantes a famosos que frecuentaban las galerías, garitos y salas de concierto en los años (más o menos entre 1978 y 1985) en que la capital española parecía vivir al nuevo ritmo que marcaba el sentimiento de liberación del final del franquismo.

Jóvenes libertinos

En Los años vividos aparecen algunos de aquellos jóvenes libertinos que con el tiempo se convertirían en luminarias (Pedro Almodóvar, Alaska), otros que se quedaron en la medianía de la notoriedad local (Fabio MacNamara) y muchos que simplemente asistieron a la explosión para dejarse seducir y pasarlo lo mejor posible.

Porto resulta ser un ejemplo claro de esa denominada fotografía de los ochenta y cómo ésta fue leída en su momento y es todavía contemplada en la actualidad, (...) quizá sea necesario limpiar como si de polvo acumulado sobre esas obras se tratase, para poder descubrir, más allá de lo que parecen contar esas imágenes, que és lo que verdaderamente cuentan", dice el historiador Julio Pérez Manzanares en el prólogo del volúmen.

El prologuista, como es de esperar, es complaciente. Las fotos de Porto sólo aportan la fecha en la que fueron tomadas y, para muchos, eso ya es bastante: al menos estaba allí. Fotográficamente son pobres, rudimentarias y sin poética. Alcanzan, siendo benévolo en la crítica, la condición de cándidas.

Muy poca vida por delante

Algo similar sucede con las de Grace, Andy, Keith, Robert y cía, donde la presencia de tanto vip sólo deviene en tristes instantáneas, todavía más dolorosas si se tiene en cuenta que a tres de los cuatro protagonistas les quedaba muy poca vida por delante: Warhol murió en 1987, Mapplethorpe en 1989 y Haring en 1990.

El body-painting de éste sobre la piel de Jones, por cierto, sería utilizado también en 1986 en la espantosa comedia Vamp, donde la cantante intepreta el papel de Katrina, Reina de los Vampiros.

• Aunque separados en el tiempo, los dos artistas representan a la estrella del rock como un producto de consumo y un icono de la cultura popular.
• Warhol comenzó a flirtear con el rock en 1964; Young modifica imágenes dinámicas que amplían el sentido mitológico del estilo musical.
• Una galería de París repasa con obras de ambos la relación entre dos manifestaciones artísticas que nacieron al mismo tiempo.

El arte pop y el rock and roll se gestaron y vivieron su explosión de manera simultánea, eran producto del deseo de hacer populares y masivas las expresiones artísticas y anunciaban las ansias de diversión de una juventud que disfrutaba de una economía en ascenso y demandaba ocio. Igual que los hijos ya no querían ser réplicas en miniatura de sus padres, los artistas no buscaban el reconocimiento académico.

La exposición Rock,en la galería Taglialatella de París a partir del 22 de marzo, relaciona el rock and roll con el arte pop de Andy Warhol (1928-1987) y Russell Young (1959), dos autores representativos y separados en el tiempo que sin embargo comparten en su obra el gusto por la representación de la estrella del rock como producto de consumo e icono de la cultura popular.

La relación de Warhol con el rock comenzó siendo imprecisa, pero se consolidó pronto. Cuando reproducía la imagen de Elvis vestido de vaquero en 1963 parecía referirse más al papel de la estrella en el cine que a su fama en la música: era un símbolo dócil del glamour del celuloide, compartía la condición de icono junto a Marilyn Monroe y Elizabeth Taylor.

De la portada de la banana a Aretha Franklin

Al año siguiente Warhol conoció a Mick Jagger, con el que entablaría una amistad de más de 20 años y al que retrataría en varias ocasiones. Sólo dos años después, el artista pop se enamoró del sonido de la Velvet Underground y colaboró en la producción del disco The Velvet Underground & Nico, para el que diseñó la famosa portada de la banana.

La muestra recopila muchas de las portadas de discos creadas por Warhol. Entre los ejemplos están las varias cubiertas para los Rolling Stones, The Academy in Peril de John Cale, Silk Electric de Diana Ross o el retrato de John Lennon que realizó en 1986 para el segundo elepé póstumo del exbeatle, Menlove Avenue. Diseñó portadas hasta el año de su muerte —en 1987— la última fue para Aretha Franklin.

Con obras de Russell Young que oscilan entre la pintura, la fotografía y el collage, la exposición —en cartel hasta el 5 de mayo— ofrece ejemplos del artista británico protagonizados por David Bowie, Iggy Pop, los Who, los Rolling Stones, los Sex Pistols y otros autores imprescindibles de la historia del rock distinguidos por su atracción y estatus de símbolos. Las imágenes escogidas por Young destacan por su dinamismo y siguen con el tono mitológico que inició Warhol como pionero del arte pop.

• La exposición permanecerá abierta hasta el 9 de junio.
• Además de Lucien Freud y Andy  Warhol, incluye obras de Annie Leibovitz, Cecil Beaton, John Rankin, Dorothy Wilding o Pietro Annigoni.

El castillo de Windsor inaugura este viernes una selección de retratos oficiales de la reina Isabel II, entre los que destacan cuatro láminas de Andy Warhol y un óleo diminuto de Lucien Freud, para celebrar sus sesenta años en el trono británico.

La muestra, titulada The Queen: Portraits of a Monarch (La Reina: Retratos de un monarca), aúna las imágenes oficiales tomadas por diez fotógrafos a lo largo del reinado de Isabel II, y se podrá visitar en esta fortaleza medieval y residencia real hasta el próximo 9 de junio.

Las fotografías, instaladas en una sola sala de este castillo ubicado a las afueras de Londres, fueron tomadas con distintos propósitos, como ilustrar las monedas, billetes y sellos del Reino Unido, o recordar celebraciones especiales como la coronación de la Reina o sus visitas de Estado a otros países.

Las cuatro láminas de Warhol, conocidas como la Edición Real, forman parte de la serie titulada Reigning Queens, que el artista estadounidense pintó en 1985, a partir de una fotografía de la soberana tomada en el castillo de Windsor diez años antes.

Warhol, quien una vez afirmó que quería ser "tan famoso como la reina de Inglaterra", diseñó estos coloridos cuadros en mayor tamaño que el resto de sus retratos de Isabel II y los recubrió de "polvo de diamante", pequeñas partículas de cristal que relucen con la luz, explicó Lauren Porter, comisaria de la exposición.

El óleo de trazos gruesos de Freud llama la atención por su tamaño diminuto (23,5 centímetros de alto) y muestra un primerísimo plano del rostro de la monarca, luciendo la 'Diadema de Diamantes', con perlas y los emblemas de las cuatro naciones del Reino Unido —Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte.

El pintor, para quien Isabel II posó entre 2000 y 2001, estaba tan preocupado por captar la "esencia interior" de la soberana que descartó utilizar un plano más amplio y comparó la dificultad de su tarea con una expedición al Polo Norte.

"La reina ha sido fotografiada por tantos artistas diferentes durante su reinado que resulta interesante poder ver esa variedad de obras en una sola exposición", destacó Porter.

El colorido de las fotos de Leibovitz contrasta con la seriedad de las de Rankin Además de las fotografías de Warhol y Freud, la exposición incluye también retratos de Dorothy Wilding, Pietro Annigoni, Cecil Beaton, John Rankin y Annie Leibovitz.

Wilding, fotógrafa de sociedad, fue la primera en retratar a la monarca desde su llegada al trono, y sus imágenes dieron la vuelta al mundo al ser utilizadas en las monedas, billetes y sellos del Reino Unido hasta 1972.

La muestra incluye además los retratos oficiales de la coronación de Isabel II, obra de Cecil Beaton, entre los que destaca una imagen austera de la reina vistiendo una capa negra, que contrasta con el resto de fotografías, en las que luce las joyas reales.

Annie Leibovitz, la primera fotógrafa estadounidense en retratar de forma oficial a la monarca británica, también optó por la capa negra para una de sus fotografías, tomada en los jardines del Palacio de Buckhingham.

Las otras tres fotos de la serie Leibovitz muestran a la soberana en posición regia, con vestidos en tonos dorados y marfil, en las Salas de Estado del palacio.

Sus imágenes, más actuales y en color, contrastan con la serie en blanco y negro de retratos de perfil y de frente de Isabel II, del fotógrafo inglés John Rankin, con motivo del Jubileo de Oro de 2002.

• 'Abundantia' es la pieza central de una exposición dedicada a la idea de la abundancia, una constante artística desde siglo XVI.
• Makart cautivó a la sociedad austriaca con un inusual sentido del color y su estudio era el centro de los mejores eventos sociales de la capital.
• El artista, influencia clara en la obra de Gustav Klimt, pintó la monumental obra de 1,5 por 4,5 metros para una mansión palaciega  de Viena.

Hans Makart (1840-1884) tenía un sentido del color que hechizaba a la sociedad vienesa del siglo XIX. Cada cuadro era un alarde de suntuosidad, con tonos que envolvían a las formas en una nebulosa y personajes que disfrutaban con descaro del paraíso sedoso del pintor de Salzburgo.

Su estudio era un santuario al que miembros de la nobleza y la burguesía de Viena acudían para verlo en el proceso de creación, las fiestas más exclusivas también se desarrollaban allí. Además de pintor fue diseñador de interiores, de muebles y de vestuario; decoró el exterior y el interior de varios de los edificios más exquisitos de la capital austriaca. El tratamiento del color y los detalles dorados no le pasaron desapercibidos a Gustav Klimt, 18 años más joven.

El museo Boijmans Van Beuningen de Róterdam (Holanda) expone hasta el 31 de marzo Abundantia, una muestra que gira en torno al monumental cuadro del mismo título que el pintor Makart realizó en 1870. La obra —de 1,5 por 4,5 metros— está protagonizada por una figura femenina que personifica la abundancia y aparece rodeada de niños, flores, frutas y animales (regalos de la naturaleza).

Clásicos barrocos, fotografía y escultura

Los organizadores aprovechan la presencia de la poderosa obra para presentar una colección de piezas de arte de los siglos XVI hasta ahora que desarrollan la constante artística de la abundancia. Los trabajos de clásicos como el pintor barroco holandés Paulus Moreelse (1571-1638) y el italiano —también barroco— Michelangelo Cerquozzi (1602-1660) componen el grueso de la exposición, que se completa con la serie de fotografías de Sharon Lockhart y esculturas de Paul McCarthy y Boris van Berkum que añaden una visión actual al tema.

Makart pintó Abundantia para el comedor de una mansión palaciega situada en el Ring de Viena, la calle circular que recorre el centro de la capital. La fama del artista hizo que la popularidad de la obra fuera internacional y entre los años 1971 y 1880 fue expuesta en Berlín, Leipzig, Nueva York, Filadelfia, Amsterdam y Londres. Ante el éxito, el pintor al que los organizadores de la muestra definen como "el Andy Warhol de su época", hizo varias versiones del cuadro.

• Cuatro  modelos en edición limitada reproducen los cuadros que el 'padre' del Pop Art mostró en 1962 en su primera exposición idividual.
• Tienen los mismos colores y diseño que los óleos, una foto del artista, su firma y su máxima: "En el futuro todos seremos famosos durante 15 minutos".
• Cuestan 75 céntimos de dólar cada una, pero ya se subastan en Internet a un precio de salida de 30 las cuatro.

Las latas de sopa Campbell que Andy Warhol (1929-1987) expuso por primera vez hace 50 años —una serie de 32 pinturas acrílicas reproducidas emulando las estrategias de los productos comerciales— pueden ser compradas ahora en algunos supermercados de los EE UU. La firma fabricante de las famosas sopas ha lanzado una edición limitada de cuatro de las latas para conmemorar el aniversario y los 25 años de la muerte del artista.

Los cuatro modelos lanzados sustituyen las tradicionales diseños rojiblancos de las sopas Campbell por otras tantas etiquetas tomadas de las pinturas de Warhol, que combinaban los colores planos y vibrantes que convirtió en imágenes de marca de su oba. En la parte trasera de las latas aparecen la firma del pintor y un retrato con un bocadillo de cómic en el que se reproduce la que quizá sea la única máxima que formuló: "En el futuro todos seremos famosos durante 15 minutos".

"Mi única comida durante 20 años"

La edición limitada de las latas, todas de tomate (Warhol declaró en 1962 que había elegido este sabor porque había sido su "única comida durante veinte años" porque su madre, una emigrante eslovaca, era una apasionada de las baratas sopas), se puso a la venta el 2 de septiembre en la cadena Target, una de las empresas minoristas más extendidas por los EE UU. No tienen recargo sobre el precio habitual: 75 céntimos de dólar por unidad (unos 0,60 euros).

Como era de prever dada la mitomanía casi fanática que rodea a Warhol y la condición de producto oficial de las latas, franquiciadas por el trust que gestiona su multimillonario legado , The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, a pocas horas de la salida a la venta de los envases, el set ya había sido acopiado por los especuladores y coleccionistas. Las casas de subastas online ofrecían ayer las latas a un precio de salida de hasta 30 dólares (23,8 euros). Queda lejos la intención de los promotores de la iniciativa de "hacer asequible" el producto.

"En 1962, Andy Warhol cambió la trayectoria del arte contemporáneo al retratar en sus cuadros las latas de sopa Campbell. No puede ser más apropiado que cincuenta años después celebremos el eterno legado de estos dos iconos estadounidenses cerrando el círculo y llevando su arte de vuelta a las latas de sopa Campbell que le sirvieron de inspiración", asegura el director de licencias de la Fundación Andy Warhol, Micahel Hermann.

Sólo vendió cinco

La serie 32 Latas de Sopa Campbell, que reproducía en los colores originales, rojo y blanco, los envases de la mayor productora de sopas del mundo, fue expuesta por Warhol —cuando todavía era un ilustrador comercial anónimo— en la galería Ferus de Los Ángeles, en la primera exposición individual del artista en la costa oeste de los EE UU.

Los cuadros, de 51 por 41 centímetros, fueron colocados en hileras, para emular la disposición de los productos en las tiendas. Sólo cinco de las 32 pinturas fueron vendidas (a 100 dólares cada una), pero el propietario de la galería la recompró para mantener la integridad de la serie. Cada pintura estaba dispuesta una junto a otro al igual que en los estantes de los supermercados.

A lo largo de su carrera Warhol volvió al tema de las latas de sopa, que llegó a vender en 100 formas diferentes, jugando con las ideas de la reproducción en serie y la banalización del arte.

• Popularizó la cultura del consumo, la imagen superficial, los sucesos efímeros y la vulgaridad  de la existencia cotidiana.
• Una muestra explora la repercusión de la obra del artista pop en artistas como Ai Weiwei, Jeff Koons, Damien Hirst, Cindy Sherman...
• Sus pinturas, esculturas y material audiovisual siguen produciendo respuestas, reacciones y reinterpretaciones.

Elevar una lata de sopa a los altares, hacer del rostro de una estrella de Hollywood un conjunto de manchas imborrables en el subconsciente colectivo, repetir una y otra vez un recorte de periódico hasta transformarlo en algo parecido a una serigrafía... Andy Warhol jugó a comercializar la cultura popular, convirtió en mercancía la existencia más banal. Es difícil que una actitud tan amada y odiada pase de moda.

Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years (En lo que respecta a Warhol: 60 artistas, 50 años), en el Metropolitan Museum de Nueva York, explorará a partir del 18 de septiembre la aplastante influencia del pionero del arte pop en los autores contemporáneos más famosos.

Con 45 trabajos de Warhol y un centenar de obras de otros 60 creadores, la exposición es la primera en ahondar exhaustivamente en el rastro que dejó el artista con sus pinturas, esculturas y material audiovisual y en las respuestas, reacciones y reinterpretaciones que provocaron.

El recorrido de la muestra se detiene en la fascinación por lo cotidiano, el lugar común, los anuncios y los temas secundarios en revistas y periódicos. Sigmar Polke y Hans Haacke y más tarde Vik Muniz y Sarah Lucas tomaron de Warhol el interés por el suceso, la información prescindible y la fórmula manida.

Una vasija neolítica con el logotipo de Coca-Cola

En este mismo campo está la atracción por la cultura de consumo de los años sesenta, ejemplificada en la exposición con obras del autor como Brillo Soap Pads Box (1964), una caja de detergente elevada a escultura e influencia decisiva en Jeff Koons, Robert Gober y Damien Hirst. La vasija creada por Ai Weiwei, de inspiración neolítica y con el logotipo de Coca-Cola pintado de modo artesanal, continúa con las observaciones relativas a la masificación y la mitificación de lo vulgar.

Igual que el empaquetado atractivo de un producto, Andy Warhol centraba su atención en el envoltorio de una persona famosa. Los retratos de Jackie Kennedy, Marilyn Monroe o Elizabeth Taylor, obsesivos y publicitarios, tienen un equivalente en la exploración del individuo que desde hace décadas hace la fotógrafa Cindy Sherman.

El afán del artista pop por capturar a creadores, poetas y músicos en imágenes aparentemente casuales tuvo peso en la obra hiperrealista del pintor Chuck Close y la visión particular y ambigua de la sexualidad y del cuerpo masculino tuvieron eco en las fotos de Robert Mapplethorpe, Richard Avedon, Catherine Opie y Peter Hujar.

•  'De la Factory al mundo', una exposición de PHotoEspaña, repasa la agitada vida del centro artístico del rey del pop art y su círculo social.
• La exposición incluye vídeos, material impreso y fotos de Richard Avedon, Cecil Beaton, Nat Finkelstein, Billy Name, Jonas Mekas, Stephen Shore...
• La Filmoteca Española inicia también un ciclo con las pruebas de cine de los famosos que pasaban por el lugar.

Desde 1962 y durante los 25 años siguientes solo había un lugar por el que debías merodear si querías ser alguien en la vida social y bohemia de Nueva York: The Factory. Era un local-fusión: centro de arte, discoteca a tiempo completo, estudio de cine y fotografía y, sobre todo, refugio y sagrario del rey del pop art, Andy Warhol.

Ubicada hasta 1968 en la quinta planta del número 231 de la calle 47 Este en Manhattan y luego en el piso 33º de Union Square Oeste, cerca del club-restaurante Max's Kansas City, si eras admitido en The Factory —es decir, si el caprichoso Warhol te daba el visto bueno— estabas en el ajo y podías considerarte parte de la élite y la vanguardia.

La exposición De la Factory al mundo. Fotografía y la comunidad de Warhol, inaugurada este martes en Madrid (Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte/Fundación Banco Santander), rescata aquel tiempo de excesos, fiestas de escándalo, gente guapa y proyectos alucinados, con un centenar de fotografías de artistas que transitaron por el local, entre ellos Richard Avedon, Cecil Beaton, Billy Name, Stephen Shore y, desde luego, Andy Warhol.

Amigos, amantes, artistas, curiosos...

La muestra, que forma parte de la sección oficial, Desde aquí. Contexto e internacionalización, del festival PHotoEspaña 2012 y estará en cartel hasta el 12 de julio, ofrece una perspectiva íntima de una comunidad de gran trascendencia para el arte del siglo XX. Siendo a la vez un estudio en un espacio físico, algo parecido a una línea de montaje de producción artística, y un lugar dinámico para la interacción social y cultural entre Warhol y su cohorte de amigos, amantes, artistas, conocidos casuales y espectadores curiosos.

La Factory funcionó como un útero del que surgieron proyectos dementes —películas bastante obtusas de supuesto carácter vanguardista que no han soportado el paso del tiempo— y otros brillantes, como los primeros discos de la Velvet Underground, el influyente grupo apadrinado inicialmente por Warhol en el que coincidieron Lou Reed, Nico y John Cale. Desde que Warhol fue atacado a tiros en 1968 por una de sus colaboradoras resentida, la feminista radical Valery Solanas, el mecenas puso coto a la entrada libre al lugar y lo transformó en una oficina al uso.

Orgías diarias y drogas gratis

Pero sobre todo, y eso es lo que muestra la exposición, el lugar fue un centro social inexcusable para las celebrities de la época. Desde Mick Jagger a Bob Dylan, pasando por todas las estrellas prefabricadas de Warhol —Candy Darling, Edie Sedgwick...—, políticos con ganas de juerga, nobles canallas y escritores de moda. Las orgías era diarias y las drogas gratuitas. Warhol, ávido coleccionista-fetichista de intimidades ajenas, lo grababa o fotografiaba todo.

Con el paso del tiempo, la Factory ha adquirido la categoría de mito y se ha convertido en un referente cultural de la contracultura de los años sesenta en los EE UU. También en un símbolo de la decadencia y el empobrecimiento cultural derivado del hedonismo y el culto a la personalidad. Dado que era un espacio para ver y ser visto, también fue el objetivo de muchas cámaras, manejadas por profesionales, aficionados, fotoperiodistas y fotógrafos de moda. La exposición que se estrena en Madrid pretende unir las piezas de esta mirada múltiple.

Al mismo tiempo, la Filmoteca Española proyecta los trabajos cinematográficos de Andy Warhol en la Factory, recopilados por Douglas Crimp. Se trata de una selección de filmes y pruebas de proyección, que componen un retrato colectivo del ambiente y los personajes de la Factory. El film Chelsea Girls (1966), de tres horas y media de duración, completa este ciclo 

• Una muestra repasa el interés del artista por los vehículos como irresistibles productos de consumo.
• Los coches son frecuentes en sus ilustraciones tempranas y en obras famosas, como la serie de grabados 'Car Crash'.
• Del final de su carrera destacan fotos de un Peugeot madrileño, serigrafías de anuncios de Volkswagen y un BMW pintado a mano.

"Pienso en mí mismo como un artista americano; me gusta esto. Es fantástico. Siento que represento a los Estados Unidos en mi arte, pero no soy un crítico social", decía Andy Warhol en 1966.

El artista pop ilustró la vida cotidiana de todo un país con sus series sobre productos y personajes famosos de la cultura popular. Las eternas repeticiones de latas de sopa Campbell, la expresión imborrable Marilyn Monroe o la elegancia de Elizabeth Taylor viven en el imaginario colectivo más allá de lo que representan. Entre los iconos de sus creaciones, hay tal vez una obsesión que suele pasar desapercibida: le fascinaban los coches.

El Warhol Museum, en la ciudad natal del artista —Pittsburgh (Pensilvania)— expone hasta este domingo Warhol and Cars: American Icons (Warhol y los coches: iconos americanos), la primera muestra centrada en la fijación que siempre sintió por los vehículos como productos de la sociedad de consumo estadounidense.

Dibujos de moda, accidentes de coche...

Casi medio centenar de pinturas, dibujos, fotografías y material de archivo, datdos entre 1946 y 1986, demuestran que Warhol mantuvo vivo ese interés a lo largo de toda su carrera. La muestra, ordenada de modo cronológico y temático, comienza con los dibujos de toque clásico y cercanos a la moda que realizó en los años cuarenta, sigue con los trabajos sobre papel que el artista relizó una década después —cuando era ilustrador de una revista— y se detiene en los grabados y los cuadros de la serie Car Crash (Accidente  de coche).

Entre las obras más llamativas de la exposición está Twelve Cadillacs (Doce Cadillacs), un grupo de pinturas que Warhol publicó en la revista Harper's Bazaar en 1962, que le había encargado un comentario visual sobre el fenómeno del icono del coche estadounidense.

De los setenta y los ochenta, los organizadores destacan grabados y pinturas basados en anuncios de Volkswagen, fotos de coches europeos (entre los que hay uno con matrícula de Madrid, de una de las escasas visitas de Warhol a España, en 1986) y un BMW M-1 pintado a mano por el artista pop en 1979.

• Exponen una colección de obras con la estrella de Hollywood como protagonista.
• Destacan las fotos de Lawrence Schiller, que retrató a la actriz desnuda en una piscina, durante el rodaje de su última película, poco antes de morir.
• Piezas de artistas como Robert Indiana, Andy Warhol , Russell Young y Mr. Brainwash completan la muestra.

Nunca había estado tan delgada, tras una operación de vesícula de la que se estaba recuperando, perdió unos 12 kilos. Sufría de crisis de sinusitis y bronquitis que le provocaban dolores de cabeza y fiebre, sus continuas ausencias en los rodajes de Something's Got to Give (George Cukor, 1962) provocaron que poco después la despidieran de los estudios.  

Lawrence Schiller, entonces fotógrafo de la publicación francesa Paris Match, recibió el encargo de retratar a Marilyn Monroe a comienzos del verano de 1962 en un momento complicado para la actriz. Con solo 24 años, fue el autor de la última sesión de fotos de la estrella de Hollywood. Flaca y cansada, pero con una capacidad de seducción intacta, se bañaba desnuda en la piscina en una de las escenas de la película que nunca terminó. El cinco de agosto ya estaba muerta.

Medio siglo después, la idolatría por Marilyn Monroe no ha bajado de intensidad. La galería Taglialatella de París celebra la vida de la actriz con una exposición centrada en el poder visual de su figura, inmortalizada una y otra vez por el arte. La muestra enseña a Marilyn convertida en emblema, de las fotos de Lawrence Schiller a las serigrafías de Andy Warhol, con obras de autores como Robert Indiana, Russell Young y Mr. Brainwash.

Sensualidad y melancolía

El estilo, los movimientos y un pensamiento aparentemente sencillos y banales han sido objeto de la fascinación de varias generaciones por el modo en que siempre mezcló sencillez y elegancia. Con un interés especial en la representación de la mujer en el arte pop, la galería captura las diferentes caras del personaje y muestra en la colección la belleza y la sensualidad sin dejar de lado la vulnerabilidad y la melancolía.

Las instantáneas de Schiller presidirán también la exposición Lawrence Schiller: Marilyn & Me (Lawrence Schiller: Marilyn y yo) en la galería Steven Kasher de Nueva York, que reune las mejores 50 fotografías de la sesión coincidiendo con el 50 aniversario de la muerte de la actriz y la publicación de un exclusivo libro del mismo título, en edición limitada, con fotos y textos autobiográficos de uno de los pocos fotógrafos vivos que retrataton a Marilyn.

• Así lo asegura Eric Shiner, director del Museo Andy Warhol.
• Esta semana se cumplen 25 años de la muerte del padre del Pop Art.
• Le hubiesen encantado los programas de telerrealidad y las famosas como Lindsay Lohan o Lady Gaga.

Andy Warhol sería hoy un "adicto" a las redes sociales y los programas de telerrealidad y estaría "fascinado" con celebridades como Lindsay Lohan o Lady Gaga, dijo esta semana el director del museo que lleva su nombre, cuando se cumplen 25 años de la muerte del padre del Pop Art.

"Estaría fascinado con Lohan, las hermanas Kardashian o Lady Gaga. Le encantarían los 'reality shows' y vería religiosamente The Real Housewives of Beverly Hills, porque le seducía el mundo de los famosos y su lado más oscuro", afirmó esta semana en una entrevista Eric Shiner, director del Museo Andy Warhol, en su localidad natal de Pittsburg (Pensilvania, EEUU).

Nacido el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, este hijo de inmigrantes eslovacos se instaló pronto, con apenas 21 años, en la Gran Manzana, donde pasó el resto de su vida hasta que le encontró la muerte en 1987, en un hospital donde se recuperaba tras una intervención de rutina.

El artista tendría hoy 83 años pero seguro que tuitearía como el que más y actualizaría a diario su perfil en Facebook, porque Warhol siempre estuvo "comprometido" con las nuevas tecnologías y ahora sería un "adicto" a las redes sociales, según Shiner, quien se deshace en elogios al hablar de su legado.

"Veinticinco años después (de su fallecimiento), no sólo su legado está cada vez más consolidado en términos artísticos, sino que muchos rescatan también su faceta como innovador social", añadió el director del museo, para quien sigue siendo "sorprendente" la relevancia de Warhol un cuarto de siglo después de su desaparición.

Shiner detalló que una de las grandes claves del éxito del padre del Pop Art es la "cercanía" y el "interés" que siempre han despertado los temas que inspiraron a Warhol, de ahí que los coleccionistas de todo el mundo se sientan "conectados casi de forma instantánea" con sus obras de arte. "Todo el mundo conoce las célebres latas de sopa Campbell o sus retratos de Marilyn Monroe, son iconos de la cultura popular en todo el mundo", destacó el experto, quien sin embargo cree que todavía queda mucho trabajo por hacer, porque Warhol "es mucho más" y es importante que se conozca la "riqueza y diversidad" de su obra.

Precios de vértigo por sus obras

Warhol, que inmortalizó a algunos de los grandes iconos de la cultura popular, es hoy sinónimo de éxito en el multimillonario mercado del arte y sus cuadros alcanzan precios de vértigo y rompen récords en el codiciado circuito internacional de las subastas, porque la demanda de sus obras se ha "multiplicado" con los años.

"Es innegable que se ha convertido en un símbolo de estatus. Si tienes un Warhol colgado en la pared de tu casa prácticamente todo el mundo lo identifica de forma inmediata, y a nadie se le escapa que a los coleccionistas les encanta tener este tipo de trofeos", añadió Shiner.

Un habitual de las subastas de arte contemporáneo, sus obras han protagonizado algunas de las últimas pujas organizadas por Sotheby's y Christie's, donde su autorretrato se vendió en 2011 por la friolera de 28,9 millones de euros, o un cuadro de Elizabeth Taylor, "Liz 5", casi alcanza los 20,3 millones.

Uno de los más rentables después de muerto

Con ingresos anuales cercanos a los 4,5 millones de euros, Warhol sigue siendo uno de los artistas fallecidos más rentables de la historia, según la revista Forbes, que incluye su nombre junto al de otras caras conocidas como Michael Jackson, Elvis Presley o sus musas Marilyn Monroe y Elizabeth Taylor.

Una de las grandes apuestas del museo Andy Warhol para el futuro cercano es Asia, con una gran retrospectiva que se inaugurará en marzo en Singapur y que se trasladará después a Hong Kong, Shangai, Pekín y Tokio, mientras que en España se puede contemplar hasta finales de abril la exposición Andy Warhol. Portraits en Zaragoza.

La fundación de Nueva York que lleva su nombre recuerda estos días que Warhol sigue siendo un icono cultural y motivo de inspiración para nuevas generaciones, tal como hizo en vida desde su estudio The Factory, convertido en un referente del Manhattan más bohemio y excéntrico de los años sesenta, por el que pasaron desde Lou Reed a Bob Dylan.

• La muestra 'Andy Wharhol. Portraits’ abarca obras realizadas en cinco décadas.
• Desde sus primeras fotos y dibujos de juventud, hasta sus retratos más conocidos.
• Entre los retratados están Prince, Stallone, Jane Fonda, Schwarzenagger, Lizza Minelli, Mao, Basquiat, Truman Capote...

Una de las colecciones gráficas más profusas del artista estadounidense Andy Warhol (1928-1987) llega por primera vez a Europa para ser exhibida en Zaragoza. La exposición Andy Warhol. Portraits (Andy Warhol. Retratos) será inagurada el jueves próximo.

La muestra, organizada por la Obra Social de Ibercaja, estará expuesta en el Patio de la Infanta (calle San Ignacio de Loyola, 16) hasta el 22 de abril. La entrada es gratuita.

En colaboración con The Andy Warhol Museum

Montada en colaboración con The Andy Warhol Museum de Pittsburg (EE UU), la entidad inaugurada en 1994 que maneja el legado -unas 8.000 obras- de uno de los padres del Pop Art, la colección nunca había salido de modo integral de los EE UU. Agrupa 99 piezas realizadas por el artista durante medio siglo, entre las décadas de los años cuarenta y ochenta del siglo XX.

Andy Warhol. Portraits reúne las primeras fotografías realizadas por el artista en su juventud, solo o con su familia, los primeros retratos a lápiz que hizo en los años 40 y varios de sus dibujos coloreados con tinta, acuarela o anilina, datados en los cincuenta.

Presenta además una amplia selección de sus famosos retratos de entre 1970 y 1980, cuando era uno de los artistas de masas más conocido del mundo. La exposición de Zaragoza exhibe las visiones de Warhol de grandes figuras de la música, el cine, la política, la moda, la literatura y el deporte.

Entre otros, los personajes protagonistas son Prince, Sylvester Stallone, Jane Fonda, Arnold Schwarzenagger, Lizza Minelli, Mao, Gerald Ford, Yves Saint Laurent, Sonia Rikiel, Carolina Herrera, Robert Mapplethorpe, Jean Michel Basquiat, Tenesse Williams o Truman Capote.

Andrew Warhola, uno de los artistas más influyentes del siglo pasado, tocó todos los palos (pintura, dibujo, fotografía, multimedia, cine, producción musical...) y gozó en vida de la categoría de mito y gurú de la modernidad. Su aserto de que "en el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos" es un vaticinio del dominio de los media y los reality shows en los usos sociales. Murió tras las complicaciones derivadas de una operación de vesícula.

• La legendaria banda reclama que la imagen que diseñó el padre del Pop Art para su primer álbum, se usa con fines comerciales.
• La fundación de Warhol ha estado explotando esa imagen al permitir su uso para la venta de diferentes accesorios.
• "El diseño del plátano es un elemento significativo de la mercadotecnia de The Velvet Underground", según la querella.

El legendario grupo de rock The Velvet Underground ha interpuesto una demanda en un tribunal de Nueva York contra la fundación de Andy Warhol por el uso comercial de la simbólica imagen de un plátano que diseñó el padre del Pop Art para su primer álbum.

La fundación de Warhol, creada después de la muerte del artista en 1987, ha estado explotando esa imagen al permitir su uso para la venta de diferentes accesorios, como bolsos o fundas de teléfonos móviles, según la demanda que se puede ver en los registros electrónicos del sistema judicial estadounidense.

Los creadores del grupo, Lou Reed y John Cale, afirman que la fundación está induciendo a error al público al hacerles pensar que The Velvet Underground "patrocinó o aprobó" esos productos, y denuncian que ésta ha continuado esas actividades a pesar de las "repetidas peticiones por escrito para que lo dejara".

Warhol, que patrocinó a la banda durante años, diseñó para ellos en 1966 la portada de su primer disco, The Velvet Underground and Nico, que se colocó en el puesto número 13 de los mejores álbumes de la historia según la prestigiosa revista Rolling Stone, recuerda la demanda.

La banda asegura que a pesar de que nadie registró nunca los derechos de autor de la imagen, ese logotipo siempre se ha identificado con la banda y ésta lo ha explotado de manera "exclusiva, continua e ininterrumpida durante los últimos 25 años".

El símbolo de The Velvet Underground

"El diseño del plátano es un elemento significativo de la mercadotecnia de The Velvet Underground", añade la querella, que detalla que en 1995 el grupo calificó de manera "expresa" ese logo como su marca, mientras que en 2001 llegó a un acuerdo con Absolut Vodka para la elaboración de una línea de botellas con esa imagen bajo el nombre de "Absolut Underground".

"El público, y en particular la gente que escucha rock, reconoce inmediatamente el diseño del plátano como el símbolo de The Velvet Underground", añadió la demanda, que pide una declaración judicial de la fundación en la que asegure que no tiene derechos de autor sobre la imagen, una orden para que no se le permita usarla para la venta de productos y compensación por daños.

Además, el documento señala que, ya que Warhol elaboró el dibujo a partir de un anuncio de dominio público, la fundación del artista no puede reclamar que tiene derechos de autor sobre ella.

La demanda pone de manifiesto que la fundación de Andy Warhol posee trabajos con derechos de autor por valor de 120 millones de dólares (más de 90 millones de euros) y que ésta ha ganado más de 2,5 millones de dólares al año (unos 1,9 de euros) en la explotación de esas obras, por lo que "parece que no tienen ninguna necesidad económica para incluir el diseño del plátano".

• Una exposición en Londres recuerda a la actriz que inspiró una de las baladas más conocidas de Bob Dylan, 'Just Like a Woman'.
• Fue la más magnética de las 'superestrellas' de la Factoría de Andy Warlhol.
• Se exhiben fotos poco conocidas de David McCabe, que pasó un año documentando la 'vida loca' de la bohemia neoyorquina entre 1964 y 1965.

Edie Sedgwick (1943-1971) era la chica del año en 1965, el icono del pop-ismo con registro de autor del lince Andy Warhol, la más magnética y hermosa de sus superestrellas.

Edie apareció en portadas de Vogue, fue la protagonista de varias películas experimentales producidas en The Factory, el taller de arte espontáneo y locuras variadas que Warhol mantuvo en Manhattan como refugio personal y guarida de bohemios, excéntricos y escandalosos, y dejó sentimentalmente noqueado a Bob Dylan, que se enamoró de ella y le dedicó una bella y triste balada, Just Like a Woman ("hace el amor como una mujer / pero se rompe como una niña pequeña", dice la letra).

Suicidio o accidente

De gloria fugaz y con muchos tormentos interiores, Edie murió (accidente o suicidio, la autopsia no fue concluyente, aunque la causa fue una sobredosis de barbitúricos) el 16 de noviembre de 1971. No había llegado a cumplir los 28 años.

Los cuarenta años de la muerte de Edie Sedgwick son celebrados en la galería londinense Proud con la exposición The Factory: Warhol and His Circle (La Factoría: Warhol y su círculo), una muestra de fotos de David McCabe, que estuvo un año entero documentando la vida dentro del taller artístico de Nueva York.

El fotógrafo, nacido en 1940 en Inglaterra, era una estrella emergente en la ciudad cuando Warhol le pidió que retratase la actividad de The Factory entre 1964 y 1965. Sólo le puso dos condiciones: que no utilizase flash y que se comportase con corrección. McCabe se convirtió en parte del elenco de excéntricos y fue un testigo privilegiado del mejor momento de Warhol y su troupe.

Entre las 2.500 fotos que hizo mientras duró el encargo, hay imágenes de rodajes, fiestas, encuentros y visitas. También, por supuesto, una galería de los famosos que se acercaban a Warhol y a los que éste gustaba de recibir, desde Salvador Dalí hasta Tennessee Williams.

• Exponen los cuadros que firmaron a medias entre 1983 y 1985.
• Desde adolescente Basquiat fue uno de los habituales en el taller-factoría de Warhol.
• Pintaron juntos más de un centenar de óleos donde son notables los estilos de ambos.

Uno era el patriarca de la modernidad y el pop art; otro, el talento fulgurante que brillaba con el vigor juvenil y la osadía del street art. Lo habitual es que se despreciaran o compitiesen, que se viesen el uno al otro como rivales: el rey y el pretendiente.

La colaboración intensa y fructífera entre Andy Warhol (1928-1987) y Jean-Michel Basquiat (1960-1988) rompió algunos tópicos sobre los celos entre artistas establecidos y emergentes. Separados por más de treinta años de edad, procedentes de círculos casi divergentes, los dos artistas se complementaron y admiraron mutuamente.

Entre 1983 y 1985 trabajaron a cuatro manos con un alto nivel de inspiración y productividad. Pintaron 130 óleos que firmaron a medias y que ahora se exponen en Warhol & Basquiat, una muestra del ARKEN Museum of Modern Art de Ishøj (Dinamarca).

Los cuadros fueron realizados en el estudio the Warhol, The Factory, al que Basquiat había acudido por primera vez en octubre de 1982, cuando todavía era un grafitero que no había dado el salto a los museos. Se dice que Warhol le hizo una Polaroid y que Basquiat se fue corriendo a su propio estudio, del que volvió dos horas más tarde con un óleo aún fresco en el que aparecían él y Warhol.

"Batalla de pinturas"

Al cabo de poco más de un año, en diciembre de 1983, empezaron a pintar juntos por consejo del marchante europeo de Warhol, Bruno Bischofbergern. Trabajaban a un ritmo frenético en lo que llamaban "batalla de pinturas": Basquiat invadía, con su estilo callejero y semi improvisado, las serigrafías de Warhol. A éste le inspiraba el estilo icónico y grafitero de Basquiat.

Tras una exposición en la Galería Tony Shafrazi de New York en 1985, la colaboración se rompió. Algunas críticas acusaban a Wararhol de estar explotando el mayor genio artístico de Basquiat (al que llamaban "mascota") para impulsar su carrera. El joven artista, profundamente afectado, nunca más volvió a aparecer por The Factory.

Los artistas, que nunca volvieron a verse, murieron en Nueva York con poca diferencia. Warhol, el 22 de febrero de 1987, de un fallo cardíaco post-operatorio. Basquiat, el artista negro más famoso de los EE UU pese a tener sólo 27 años por entonces,  falleció el 12 de agosto de 1988 por una sobredosis de heroína.