Lee Lozano: obscenidad, máquinas y una violenta retirada

  • El Museo Reina Sofía dedica a esta díscola artista norteamericana su primera retrospectiva en nuestro país.
  • Su carrera duró poco más de una década, de 1960 a 1972. Con poco más de 40 años decidió retirarse de la vida artística.
  • Su obra se considera profundamente provocadora y reivindicativa.
Lee Lozano. 'Ream', 1964. Óleo sobre lienzo.
Lee Lozano. 'Ream', 1964. Óleo sobre lienzo.
LEE LOZANO
Lee Lozano. 'Ream', 1964. Óleo sobre lienzo.

La carrera de Lee Lozano (New Jersey, 1930-Dallas, 1999) terminó abruptamente cuando la de la mayoría de los artistas suele estar despegando. Tenía solo 42 años cuando tomó la decisión tajante de abandonar la creación artística pero en poco más de una década de trayectoria pasó como un ciclón e hizo tambalear todos los convencionalismos.

Aunque podría considerarse "una de esas artistas fundamentales para entender el arte", asegura Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, también "ha sido injustamente olvidada". Por esta razón, el museo le dedica ahora su primera retrospectiva en España, que podrá verse hasta el próximo 25 de septiembre.

La muestra, titulada Forzar la máquina, exhibe una selección de 150 obras entre pinturas y dibujos que abarcan el corto periodo comprendido entre 1960 y 1972. En doce años Lozano dio vida a una obra profundamente provocadora, impregnada del espíritu reivindicativo, libre y desenfadado que acompañó los movimientos civiles y antibélicos de la época.

"En su entorno destacó por hacer una crítica ácida a todos los estamentos institucionales", añade Teresa Velázquez, comisaria junto a Borja-Villel de esta exposición que ve la luz tras cuatro años de intenso trabajo.

Explosión sexual

Sus primeras obras estuvieron influenciadas por el llamado Monster Roster Group, colectivo de artistas que trabajaba en Chicago (Leon Golub, Nancy Spero, Oldenburg, Westermann). Se caracterizan por las frenéticas pinceladas y una imaginería inspirada en las viñetas, repleta de sexo y agresividad.

En esos cuadros hay dibujos de trazo infantil y numerosos objetos cotidianos (cepillos de dientes, pinzas, enchufes...). Todos ellos aparecen de forma extraña flotando en el espacio, el trazo es expresionista e impulsivo y aparecen acompañados casi siempre de partes del cuerpo aisladas: dientes, penes erectos, pechos... creando una sensación de claustrofobia.

"El cuerpo fragmentado como expresión de una sexualidad visceral y corrosiva que opera una máquina organo en forma autosuficiente", explica Velázquez. Toda esta irreverencia y provocación le sirven para cuestionar todos y cada uno de los convencionalismos sociales: el matrimonio, la familia monógama, la religión, el negocio del sexo, la moral...

El año 1964 marca el inicio de un cambio. Su paleta de colores se vuelve más austera y añade nuevos objetos a su imaginería: puntas de destornillador, tuercas, grapadoras, martillos... Predominan los primeros planos y una tensión que sobrepasa los límites del lienzo. Sigue habiendo referencias sexuales pero la frialdad de lo mecánico anuncia un giro hacia la abstracción y el minimalismo.

El principio del fin

El momento más álgido de su carrera llega en 1967 con sus Wave Series (Serie de ondas, 1969), un conjunto de once pinturas que completó dos años después y en las que conjuga ciencia, arte y existencia. Cada una de ellas se terminó en una sola sesión (fueron realizadas bajo los efectos de las drogas) y representa una onda electromagnética compuesta por numerosos riachuelos diminutos de pintura aplicada minuciosamente con peines de acero y cepillos de alambre duro. La serie se presentó en el Whitney Museum of American Art en 1970, toda una hazaña para una mujer artista en esa época y en ese lugar.

La experimentación conceptual y preformativa le llevó a producir una serie de obras llamadas Pieces (Piezas) consistentes en textos manuscritos, que parten del seguimiento de instrucciones autoimpuestas hasta derivar en Dropout Piece (Pieza de deserción, 1970-72). Con ella pondría punto y final a su carrera.

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